El Signo de los Tiempos

2012-02-01T06:00:00.000+01:00

India A Mano

2012-01-30T00:00:00.000+01:00

Se le conoce por India y no se puede tener más arte
Además, como persona, no se puede ser más de puta madre

Indiamano camisetas from Jose Prada on Vimeo.

¡¡¡FELICIDADES CARAGUAPA!!!

I Don't Need No Doctor

2012-01-28T10:00:00.000+01:00

Forget The Fake Pic, Just Listen To Brother Ray

Big Day Out Auckland 2012

2012-01-23T00:00:00.001+01:00

It Hurts Me So Much

2012-01-22T00:00:00.000+01:00

My Death

2012-01-20T00:00:00.000+01:00

Llegó al siglo XXI antes que nadie. Cada poco tiempo, el Alien enviaba una nueva misiva desde el espacio exterior. Desde que reside en la tierra, nadie sabe nada de él y parece que se ha convertido en la nueva Greta Garbo. ¿Dónde está David Bowie?...¿Volverá algún día el padre de todos los mutantes?.

Starman

2012-01-08T23:30:00.000+01:00

Long Time

2012-01-04T00:00:00.000+01:00

Cards and letters meant to bring cheer

Now bring me sorrow, now bring such tears
The words fell off the paper
So I'm gonna sweep away each line
But it's gonna take a long, long time

Streetlight standin' alone all night in the rain
Shinin' for no one, shinin' all in vain
I'm gonna stop wasting my love like this because it's a crime
But it's gonna take a long, long time

Call the doctor when your body hurts
But when the pain is in your soul, hey man nothin' works

Smoke from a cigarette coming underneath my door
Just like your memory sneakin' up on me some more
I'm gonna be all right and leave this heartache behind
But it's gonna take a long, long time

Lipstick on a glass
Somebody wants to look pretty
And wants to forget the past
Someday these tangled thoughts are gonna all unwind
But it's gonna take a long, long time...

A Very Personal Song

Happy 2012

2011-12-31T08:00:00.000+01:00

I wish  I knew how it would feel to be free
I wish I could break all the chains holding me
I wish I could say all the things that  I should say
say 'em loud, say 'em clear
for the whole round world to hear.

I wish I could share all the love that's in my heart
remove all the bars that keep us apart
I wish you could know what it means to be me
Then you'd see and agree
that every man should be free.

I wish I could give all I'm longing to give
I wish I could live like I'm longing to live
I wish that I could do all the things that  I can do
though I'm way overdue I'd be starting anew.

Well I wish  I could be like a bird in the sky
how sweet it would be if I found  I could fly
Oh I'd soar to the sun and look down at the sea
and I'd sing cos I'd know that
and I'd sing cos I'd know that
and I'd sing cos I'd know that
I'd know how it feels to be free
I'd know how it feels to be free
I'd know how it feels to be free

Some Unholy War

2011-12-29T00:00:00.000+01:00

El penúltimo post del año está siempre dedicado a alguien muy importante

Songbook

2011-12-23T08:00:00.000+01:00

Nunca olvidaré el día que se puso a la venta el primer disco en solitario de Chris Cornell. La expectación era tan grande que se agotó en muchas tiendas de la ciudad en pocas horas. De eso han pasado muchos años ya y la edición de un nuevo álbum de este hombre ya no levanta tantas pasiones como antaño. Obviamente, él y sólo él es el único responsable de su suicidio comercial y artístico. La calidad de sus trabajos en solitario ha ido cayendo en picado hasta la nada infinita con ese engendro titulado Scream. Mientras termina de deshojar la margarita con el retorno de Soundgarden, el amigo Cornell vuelve estas navidades con un disco acústico grabado en su reciente gira que recoge canciones de todas sus etapas.

Cornell se presenta a pecho descubierto -la cara opuesta a su colaboración con Timbaland- con una acústica y su voz como única arma. Sin margen de error, el resultado es absolutamente maravilloso y suena además de real y sin artificios, muy honesto. A mí mismo me cuesta escribir esto -yo era de los que pensaban que jamás me reconciliaría con su carrera- pero hay que rendirse a la evidencia. No entro en juicios paralelos sobre forzados lavados de imagen o el retorno de Soundgarden. Seguramente pasó el momento de resucitar Call Me A Dog pero justo ahí es cuando uno vuelve a recordar que Chris Cornell -además del mayor traidor- es el cantante y compositor generacional más completo que un servidor ha conocido y que la suma Soundgarden + Temple Of The Dog + Audioslave combinada con el repertorio de Cornell en solitario puede funcionar a las mil maravillas, referencias al apestoso Scream incluidas. Me sobra la cover de Imagine por estar ya desgastada la pobre. La de Zepp en cambio suena como un cañón. Los temas nuevos no están nada mal pero lo que realmente deslumbra es el material "clásico". Cornell se desgarra en varios momentos con una voz que sigue sonando absolutamente maravillosa. No sólo por su potencia, también por su capacidad para transmitir lo mismo a pleno pulmón que con las suaves caricias de su vibrato. Por lo que a mí respecta, Chris Cornell está perdonado. Veremos lo que hace con Soundgarden. Más le vale que no mancille su memoria. Eso sí que sería realmente imperdonable.

The Reverend Horton Heat

2011-12-19T08:00:00.000+01:00

Please Baby Don´t Do That

2011-12-13T00:00:00.000+01:00

Hoy pensaba escribir, como hace mucho que no hago, sobre los discos que más me han gustado este año. Del tiempo que hay que dedicar al Reverie de Joe Henry para darte cuenta de su grandeza o de la monstruosidad que es la Box Set The Fame Studios Story 1961-1973. También de lo encantadora que sigue siendo Eilen Jewell desde el otro lado del Atlántico, de la fiebre Stones que se ha vuelto a desatar en mí o de la chapa que le doy a todo el mundo con la trilogía ?uestloveniana Booker T. Jones-Betty Wright-The Roots. De lo extraño que ha sido 2011 con sus viajes, las malditas prisas y el ansiado cambio de registro a todos los niveles, abandono de malos hábitos incluido. De los maravillosos habitantes de Cádiz que son para comérselos. De lo mucho que me odia mi cartero porque le hago trabajar. De las personas cercanas que están muriéndose en estos momentos. Del corralito encubierto que ya está en marcha .... de todo y de nada . De otro año más en la blogosfera. De lo tranquilo que ha sido noviembre. De la pereza de la Navidad. De la playa en invierno. De lo bueno que he sido y la de cosas que me va a traer el Olentzero. De la suerte que tengo los tuesdays and thirteen. De los amigos que tengo siempre presentes. De la gente tan guay que para por aquí. De falsos lameculos a los que no pienso dedicar una línea. De mis niños a los que tanto echo de menos. De mi chica y las chaladuras que tiene que aguantarme la pobre. De lo cansado que estoy y el sueño que tengo...

Angel Eyes

2011-12-12T00:00:00.000+01:00

Hey drink up all you people
And Order anything you see have fun you happy people
The drink and the laughs on me

Try to think that love's not around
Still it's uncomfortably near
My old heart ain't gaining any ground
Because my angel eyes ain't here

Angel eyes, that old Devil sent
They glow unbearably bright
Need I say that my love's mispent
Mispent with angel eyes tonight

So drink up all of you people
Order anything you see
And have fun you happy people
The drink and the laughs on me

Pardon me but I got to run
The fact's uncommonly clear
I got to find who's now the number one
And why my angel eyes ain't here

Excuse me while I disappear

Nothing Can Change This Love

2011-12-11T07:00:00.000+01:00

The Cosimo Matassa Story

2011-12-09T07:30:00.000+01:00

Además de propietario e ingeniero de grabación de los estudios J&M en New Orleans, Cosimo Matassa ha sido una pieza fundamental en el desarrollo de la mayor parte de los sonidos que se cocinaron en Nola en el último medio siglo. La lista es interminable... Fats Domino, Little Richard, Lloyd Price, Professor Longhair, Allen Toussaint, T-Bone Walker, Dr. John o el mísmisimo Paul McCartney, por citar unos pocos, forman parte ya del Cosimo Sound. Finalmente en este próximo 2012 se va a hacer justicia y a sus 85 castañas, Cosimo Matassa ingresará en el Rock and Roll Hall of Fame con todos los honores mientras sigue trabajando en su pequeño supermercado. Y la mejor manera de celebrarlo es desempolvando la maravillosa box set de 2007 The Cosimo Matassa Story que recoge 120 atómicas grabaciones repartidas en cuatro cedés. Un auténtico desparrame sonoro salido de Crescent City con alto riesgo de provocar cortocircuitos. La lista de Hits y no Hits es para caerse de culo. Y por si no fuera bastante, su precio es ridículo pero su presentación no. Este hombre es un pionero, entre muchas cosas, de la historia del Rock. Nadie hizo sonar a los monstruos que aparecen en este artefacto sonoro como lo hizo él. Una joya de muchos quilates a precio de saldo.

Undun

2011-12-07T07:00:00.000+01:00

Undun es el relato de una vida contada al revés

Es un rompecabezas perfecto cuyas piezas encajan mal

Por eso cuenta la vida de un paria

No sólo es ejemplar en su ejecución narrativa

También es el disco del año

Soundtrack para un 20-N

2011-11-20T00:00:00.013+01:00

We are amazed but not amused
By all the things you say that you'll do
Though much concerned but not involved
With decisions that are made by you

But we are sick and tired of hearing your song
Telling how you are gonna change right from wrong
'Cause if you really want to hear our views
"You haven't done nothing"!

It's not too cool to be ridiculed
But you brought this upon yourself
The world is tired of pacifiers
We want the truth and nothing else

And we are sick and tired of hearing your song
Telling how you are gonna change right from wrong
'Cause if you really want to hear our views
"You haven't done nothing"!

Everybody clap your hands and sing with me
Doo doo wop - hey hey hey
Doo doo wop - wow wow wow
Doo doo wop - co co co
Doo doo wop - naw naw naw
Doo doo wop - bum bum bum
Doo doo wop

We would not care to wake up to the nightmare
That's becoming real life
But when mislead who knows a person's mind
Can turn as cold as ice un hum

Why do you keep on making us hear your song
Telling us how you are changing right from wrong
'Cause if you really want to hear our views
"You haven't done nothing"!
Yeah

Doo doo wop
Doo doo wop - oh
Doo doo wop - co co co
Doo doo wop - sing it baby
Doo doo wop - bum bum bum
Doo doo wop - um
Sing it loud for your people say
Doo doo wop - um um um

Doo doo wop - stand up be counted, say
Doo doo wop - co co co
Doo doo wop - ow
Doo doo wop - bum bum bum
Doo doo wop - ah hum

Kenny Vaughan

2011-11-18T00:00:00.000+01:00

Por fín Kenny Vaughan se ha decidido a lanzar su propio álbum al que ha titulado simplemente V. Ha juntado un puñado de canciones sin grandes pretensiones, y acompañado por Marty Stuart y los suyos, ha grabado un disco muy auténtico y disfrutable.

Personalmente esperaba más, pero hay más oficio y maestría en estos treinta minutos que en todas las carreras del actual Nashville. Kenny Vaughan es un grande de las seis cuerdas y no es casualidad que haya lista de espera y tortas para contar con sus servicios. Su curriculum es de caerse de espaldas. Su debut, aunque muy interesante, un poquito menos espectacular. Aun así, no hay quien supere a este elemento con pinta de friki. El indiscutible puto amo de la barraca.

Hoy es un gran día...

2011-11-11T15:00:00.007+01:00

...por nada en particular, pero es un bonito número para hacer algo especial. Yo ya lo he hecho aunque todavía no puedo contarlo. Hasta que llegue ese momento, sólo me queda desearos un relajadísimo fín de semana y no se me ocurre mejor manera que hacerlo con una canción del Rock Swings de Paul Anka. Un disco que en lo estrictamente musical es pura basura, pero que levanta el ánimo a un muerto -sobre todo porque hay que tomárselo a cachondeo-. Lo milagroso del caso es que convierte temas memorables en mierda y viceversa. Algo nada dificil de creer cuando te pasas todo el día canturreando los temas de Pet Shop Boys o Lionel Richie y encima no te avergüenzas por ello. Feliz fin de semana a todos y no olvidéis hacer hoy una gran locura.

¿Es pecado que te guste una canción de Pet Shop Boys?...... Of Course!!!..... pero también de Oasis y nadie dice nada.

La Curiosidad Mató Al Gato

2011-11-10T00:00:00.012+01:00

Esta es la versión Japo que siempre viene algo mejorada
sobre todo su escandaloso importe

Cuando he llegado esta noche a casa, me he subido a un altillo -al que nunca subo- para guardar unos cachivaches y de repente, como caida del cielo, se me ha venido encima una bolsa de color rojo. Pensando que sería cualquier trasto, me he quedado de piedra cuando la he abierto. Ante mis ojos se ha materializado la caja de Donny Hathaway, Someday We´ll All Be Free, que el año pasado Rhino editó en Francia en una tirada limitada de 5000 copias. El careto que se me ha quedado ha sido de los que hacen época. Tras unos segundos de confusión y comprender que las Box-Sets no tienen vida propia, no ha sido dificil entender que alguien ha empezado ya a gastarse el dinerito en la lista de Los Reyes Magos. Dentro de la bolsa también he visto que había un ticket de compra doblado, pero uno es prudente y hasta ahí no he fisgado. Como no es cuestión de destriparle la sorpresa a ella -gracias al cielo que ya no lee mis chaladuras, bastante tiene con sufrirme en directo- no queda más remedio que hacerse el tonto, que eso a nosotros se nos da bastante bien. La caja contiene 61 temas -7 inéditos bastante normalitos- repartidos en 4 discos y un correcto libreto en francés. No hay rastro de las grabaciones que hizo con Roberta Flack y para escuchar un álbum completo hay que cambiar de disco. Uno nunca ha sido sibarita, pero la parte buena es que la remasterización es de traca, porque es de vergüenza la dejadez con la que se han reeditado los trabajos de este genio. Ahora llega la parte más dificil, que es esa en la que hay que aguantar hasta el día en que te toca poner cara de tonto mientras te devoran las ganas de quitarle el plástico y abusar violentamente de los pabellones auditivos de tus queridos vecinos. Ya lo decía mi abuela, la paciencia es la madre de todas las ciencias. Thanks a lot in advance, my love!.

Inédita versión en estudio del Jealous Guy de Lennon

Smokin´ Joe Frazier

2011-11-08T17:00:00.004+01:00

Hoy se ha ido el pequeño gigante
El primero que fue capaz de tumbar al más grande

Al igual que a Ali, a Frazier también se le daba mejor los guantes que el micrófono

Descanse en paz

The Beast In Me

2011-11-08T00:00:00.009+01:00

Gracias a las noticias que trae Paula

no queda invierno que me amargue la existencia

Solitude

2011-11-07T07:00:00.009+01:00

Si fuésemos capaces de quitarnos los prejuicios -ya hay demasiados critiquillos puristas de tres al cuarto- deberíamos postrarnos de rodillas ante este tributo al compositor más grande de toda la galaxia. Hay que ser valiente para meter mano a un puñado de clásicos inmortales y llevarlos a terrenos inimaginables sabiendo que te iba a caer la del pulpo. Rescatar unos pocos tesoros enterrados que ni los más rancios puristas alcanzaban a recordar y echarlos a rodar con el lenguaje propio del Doctor.

El vudú de New Orleans que practica este hombre no tiene porqué estar reñido con la elegancia del Duque negro - todas las recreaciones están hechas con un gusto exquisito- manteniendo el pulso intemporal de las composiciones de Duke Ellington. La sección rítmica es matadora, las guitarras cálidas y elegantes como el propio título indica y el viejo Mac Rebennack aporta la sutileza adecuada mientras acaricia las teclas con tanta maestría como buen gusto. Los puristas pueden burlarse todo lo que quieran -la soledad siempre acompaña al Doctor cada vez que le da por los homenajes-, y aunque este gane por goleada al que dedicó a otro gigante llamado Johnny Mercer, sólo es la excusa perfecta para volver a poner mi canción del siempre jodido noviembre. Que ustedes la disfruten.

Play That Song For Me!

2011-11-06T21:00:00.010+01:00

Vértigo

2011-10-24T00:00:00.002+02:00

Cuidado con lo que deseas
puede hacerse realidad

Queen Eilen

2011-10-20T14:00:00.005+02:00

Menuda noche la de ayer en el Antzoki. Eilen Jewell y su banda volvieron a Bilbao y reinaron por todo lo alto. La amiga Eilen puso la magia en un día frio y lluvioso. No se escuchó el vuelo de una mosca mientras Miss Jewell desgranaba la magia de su repertorio. Por supuesto que también hubo locura y desenfreno y la banda rayó a gran altura. Pensé que me desmayaría con Santa Fe pero fueron las sobrenaturales Only One y Codeine Arms con las que casi me da un chungo de los buenos. Acudí solo pero tuve la suerte de encontrarme con Marco, Diego y Ander. Gracias chavales porque no se puede ser más de puta madre. Sólo faltaron los mariachis Pedro y Andoni para terminar de redondear una noche perfecta en la que no sobró absolutamente nada. Hubo charla, fotos y firmas antes y después del concierto y como bien me recordó alguien, nadie se llevó más besos de la encantadora Eilen que un servidor. Imposible pedir más.

Reverie

2011-10-19T10:00:00.008+02:00

Alucinante. No se me ocurre otro término para definir la carrera de Joe Henry. El bueno de Joe, que nunca ha dejado de experimentar, se descuelga ahora con un disco de una sencillez que apabulla. Reverie es otro paso firme tras el complejo Blood From Stars. Un trabajo un tanto correoso pero que suena, como es habitual en él, con una naturalidad pasmosa. La triada batería-bajo-piano es el esqueleto que Henry viste de Jazz, Folk, Blues y lo que le echen. Sin estridencias, conformando otra conmovedora pieza de introspección.
Una vez más, Joe Henry evita los chiclés con una inventiva digna de admiración. Blood From Stars me decepcionó en la medida de adornar varias de las secuencias rítmicas de Civilians, no en una descarada repetición porque todo lo que envuelve el universo Henry está a otro nivel, fue más por la preocupación de verle encerrado en un bucle. Por eso prefiero esta nueva vuelta de tuerca.

Reverie es un disco equivocadamente descuidado, porque los componentes de sus grabaciones siempre funcionan con la precisión de un reloj suizo. Que lo de grabar en tres días con los mejores músicos lleva haciéndolo años y este tipo nunca da puntada sin hilo con todo ese rollo de darle al REC con las ventanas abiertas. La desnuda orquestación sobre la que Henry arrastra la inventiva de unos versos que son puro estado otoñal, va absorbiendo gradualmente los habituales relatos sobre la condición humana y sus distintos estados de ánimo. Reverie es una sólida roca que está más allá de cualquier catalogación -incluida la de mejor disco del año- porque está fuera de categoría. Henry sigue avanzando en su carrera con paso firme y estira aún más su leyenda. Sus discos siempre te tocan el corazón. Pero Reverie va más allá porque llega al alma.

Bad As Me

2011-10-17T21:00:00.017+02:00

Dice un buen amigo que soy muy exigente. Razón no le falta porque soy muy leñero con los músicos que marcan la pauta en mi vida. Pero siempre hay una excepción que confirma la regla y en este caso se llama Tom Waits. En los más de tres años de vida que tiene este blog el viejo loco no ha dejado de pasearse por él, pero siempre con cuentagotas. Este tipo me anestesia los sentidos de tal manera que envenena mi capacidad de ser crítico con él. Será por eso que jamás me ha defraudado.

Para mi sorpresa, hoy me he encontrado un mail en la bandeja de entrada con un código para poder acceder a su web y escuchar su nuevo disco al completo. Por fín se hizo la luz y se despejó la incógnita. ¿Qué tiene Bad As Me de nuevo?, pues afortunadamente nada. Esta vez es una frenética Chicago la que invita a subir a bordo de un tren mucho más accesible y menos agobiante que Real Gone, el arranque de un disco en el que los números excéntricos están repartidos de igual manera que los románticos.

Hay melodías pedregosas facilmente reconocibles en otros puntos de su carrera, pequeños himnos tabernarios, desvencijadas canciones de amor y maravillosas reflexiones sobre la vida y la muerte con el habitual toque perverso....nada nuevo bajo el sol. Pero hablamos del nuevo álbum del alquimista loco, el genio de Pomona, el que nunca me decepciona. El tipo que escribe canciones con sensación de falsa urgencia y espartanos pero elaboradísimos arreglos que restallan con frescura. El mismo que cuenta como nadie sórdidos relatos desde el otro lado de la vida y nunca pierde la capacidad de asombrar al oyente.

Sólo he podido escucharlo una vez y ya me he enamorado de Talking At The Same Time, Face To The Highway, Pay Me, Kiss Me, Last Leaf y New Year´s Eve y cuento las horas para tenerlo en mis manos. La cosa está tan currada en su web que también se puede acceder a los créditos de las canciones. A los habituales compañeros de viaje, se suman esta vez Augie Meyers y Flea y es un placer volver a ver los nombres de Keith Richards y Tom Waits juntos. Una pizca de Frank´s Wild Years, otra de Bone Machine y algún pequeño toque del encanto lo-fi del segundo disco de Orphans -pinceladas de aquí y allá en definitiva-, se baten, esta vez retorcidamente más limpias que nunca y bajo control en la coctelera con la que se ha fabricado Bad As Me. Supongo que seguirán oyéndose las mismas voces que dicen que sus últimos discos están sobrevaloradísimos, como si a Dylan o Young no se les diera manga ancha últimamente. Yo sólo sé que los nuevos bichos raros de Waits están a punto de ponerse en circulación. Y ante eso, no me queda más que añadir una cosa: Tom Waits is my man.

Live At Carnegie Hall

2011-10-13T00:00:00.006+02:00

Es una lástima que el carrerón de algunos músicos imprescindibles se reduzca a tres o cuatro éxitos que siempre van incluidos en la banda sonora de alguna estúpida comedia romántica hollywoodiense. Triste pero cierto, este es el caso de Bill Withers, un genio superlativo a la altura de cualquier figurón del Soul y el R&B de los 70. En su día el éxito, aunque no le fue esquivo, sólo ha servido para que todo el mundo reconozca -gracias al cine o la publicidad- Ain´t No Sunshine y poco más. Se comió el mundo con un puñado de discos que sin lugar a dudas merecen la categoría de clásicos, pero nunca buscó la fama y a día de hoy sus canciones son más reconocidas que el propio personaje.

En 1973, cuando sólo había publicado Just I Am y Still Bill - ambos cinco estrellas y me quedo corto- vió la luz este doble en directo grabado en el Carnegie Hall que captura con crudeza la profundidad emocional de sus canciones. Porque este tío sabía escribir canciones con chicha, hacer que la gente meneara el culo y desplegar un arsenal de melodías al mismo tiempo. La descarga de ocho minutos de Use Me, el tema que Mick Jagger copió nota por nota en Wandering Spirit, sirve de introducción y ya se desata la histeria colectiva. El Carnegie Hall se convierte en una ceremonia religiosa donde el predicador maneja la parroquia a su antojo. Los músicos son un verdadero escándalo -Ray Jackson, Benorce Blackman, Melvin Dunlap y James Gadson como eje central- van alternando un repertorio compuesto por temas íntimos y explosivos a partes iguales. Es una pena que el disco se retocara posteriormente en el estudio, porque hubiese sido la leche escuchar Ain´t No Sunshine dominado por el piano eléctrico de Jackson en lugar de las consabidas cuerdas.

El amigo Bill hace sus pinitos como posible participante de El Club De La Comedia antes de crear la mágica atmósfera que envuelve Grandma´s Hands, un prodigioso homenaje a sus raices de una sencillez que provoca escalofríos en el que no se puede decir más con menos. La belleza de Let Me In Your Life abre la puerta al dramatismo de Better Off Dead, la asfixiante historia de un alcohólico abandonado por su familia . Pero uno de los momentos álgidos de esta grabación se llama I Can´t Write Left-Handed, el inédito gospel convertido en la anti-war song definitiva , que junto a Lean On Me nos devuelve a la iglesia. Un himno tras otro que desembocan en los descomunales trece minutos de Harlem/Cold Baloney que el predicador Withers utiliza para llevar a la audiencia al paroxismo absoluto. Pero lo gracioso del caso es que Live At Carnegie Hall, siendo uno de los mejores discos en directo de todos los tiempos, en el que no sobra nada y falta muy poco - quizás un tema del calibre de Who Is He (And What Is He To You)- vió la luz cuando este hombre aún no había grabado The Same Love That Made Me Laugh, I Want To Spend The Night With You, Lovely Day...una lista interminable de maravillosas canciones que aparecerían en álbumes posteriores.

El bueno de Bill se retiró a mediados de los 80 para ver crecer a los hijos y ocuparse del jardín. Pero le dió tiempo a atesorar una discografía única -con algún pequeño tropezón- que no merece caer en el olvido. Su personal mezcla de Soul, Folk, Blues y Funk es un tratado de valor incalculable sobre relaciones humanas y la sociedad que nos rodea que ha madurado de la mejor manera posible. Sus canciones son tan válidas en la actualidad como hace cuarenta años. Hasta el punto de merecer que su nombre figure con letras de oro en la historia. Para darse cuenta de ello, no hay más que echarle un oido a Live At Carnegie Hall.

Here´s Little Richard

2011-10-11T00:00:00.012+02:00

No se me ocurre mejor manera para darle la vuelta a un día de mierda que acercarte a un disco como Here´s Little Richard. Cuando vió la luz, Mr. Penniman llevaba ya unos cuantos años rodando por este mundo de Dios -a principios de los 50 firmó con RCA y más tarde con Peacock Records y de ahí salieron unas cuantas grabaciones maravillosas que sin embargo no llegaron a ninguna parte- pero lo realmente estratosférico comenzó cuando fichó en el 55 con Specialty Records y lanzó una bomba atómica llamada Tutti Frutti que tuvo que ser remozada por esconder la letra más guarra que hasta el momento se había podido escuchar y cuyo grito de guerra se convertiría en santo y seña de su carrera y por ende de la historia del Rock n´Roll. No queda ahí la cosa, porque después llegarían Long Tall Sally, Rip It Up, Ready Teddy....y así hasta conformar este "grandes éxitos" que vió la luz en 1957.

El primer Long Play creado por un auténtico revolucionario que sacó el gospel de la iglesia y lo arrastró por los peores tugurios hasta convertirlo en algo salvaje y libidinoso. El pobre Little Richard lo tenía todo en su contra, pero este marica negro pintado como una puerta era una auténtica locomotora sin frenos capaz de derribar todas las barreras establecidas. Los surcos del disco despliegan un frenesí de ritmos -algunos creados en New Orleans con la banda de Fats Domino- totalmente desinhibidos, arrasados por un piano enloquecido y unos volcánicos solos de saxo, una forma de cantar primitiva y salvaje y una colección de canciones que le pusieron a un nivel como no se había visto antes y que todavía provocan escalofríos. Después viene el eterno debate sobre quien fue el primero en hacer esto. A mi me la trae floja si Little Richard copió de Esquerita y ambos de Billy Wright o simplemente se intercambiaban entre ellos el color del tinte y el número de su peluquero. Here´s Little Richard es mi disco favorito de los 50 -todavía más que el debut de Elvis- que nunca me canso de escuchar y menos aún cuando finaliza un día en el que lo mejor que podrías haber hecho es no haberte levantado de la cama. Ahí están Little Richard, Rill Thing, Explosive Little Richard....pero no hay otro como este. Yo quiero volver a nacer, llamarme Richard Wayne Penniman y grabar un disco titulado Here´s Little Richard.

The Real Motherfucker

Codeine Arms

2011-10-10T00:00:00.007+02:00

Codeine Arms...wrap around me safe and warm under the light of your sweet charms save me, save me... Codeine Arms

Don't Throw Your Love On Me So Strong

2011-10-05T00:00:00.002+02:00

Cada vez que T-Bone Walker se acerca a mis oidos, se me tambalean unos cuantos mitos. Este sí que fue un pionero y lo demás tonterías. Seguimos pasando de tópicos, que parece que sólo hizo Stormy Monday y viajamos en la máquina del tiempo hasta 1962, cuando ya llevaba más años por el mundo que la gripe. El viejo Walker se marca el clásico de Albert King que este grabó justo antes de fichar con Stax. En el video no se aprecia, pero los tipos que le cubren las espaldas se llaman Willie Dixon, Memphis Slim y Jump Jackson.

Danzig II: Lucifuge

2011-10-04T00:00:00.010+02:00

Siempre he tenido la sensación que lo de Glenn Danzig es pura pose. Estamos de acuerdo que es un tipo bajito con el ego del tamaño de los cinco continentes juntos. Pero alguien que tiene la capacidad de escribir canciones como las suyas, ha de albergar una parte muy sensible en su diminuto ser. El estereotipo satánico que salpica los estilos por los que se mueve, esconde mucho de emoción y melancolía. Algo que queda al descubierto en Danzig II: Lucifuge.

De todas las cosas que ha hecho Danzig (la banda) no hay nada que supere la unidad que conforman los once temas de este disco. No hay ningún Mother o Twist Of Cain, y ni falta que hace. La actitud sigue siendo la misma, pero las letras y la estructura de las canciones están mucho mejor elaboradas sin que la espontaneidad se resienta por ello. Me encanta la lírica oscura mezclada con explosivos riffs, los acordes sacados directamente del Blues del Delta y las canciones de (des) amor.

El Crooner del averno incendia vocalmente todos los surcos de Lucifuge, impregna de sexo las letras con una elegancia como jamás se le supondría a un bruto de este calibre y aúlla de tal manera que parece estar poseído por el espíritu del mismísimo Howlin´Wolf. Por si fuera poco, Eerie Von, John Christ y Chuck Biscuits le cubren las espaldas, una alineación -atención a la burrada- que daría sopas con honda a cualquier formación que se pusiera delante. Suponiendo que alguna se atreviera.

Danzig II: Lucifuge es un disco repleto de clásicos salpicados por estilos y melodías muy diversas hecho por una banda irrepetible en pleno apogeo de sus facultades. De chiste debió ser la grabación del disco y la obsesión de Glenn Danzig por imponer que la voz sonara omnipotente sobre todas las pistas y su constante negativa al empeño de Rick Rubin por intentar que las letras rimaran. El tío Glenn, que de orgullo va sobrado, debería replantearse lo que ha hecho con su carrera en los últimos años. Me salto los topicazos que tienen que ver con Elvis, Roy Orbison y Jim Morrison y me quedo con un disco en el que no sobra nada y que todo el mundo debería escuchar por lo menos una vez en la vida. Nadie en este planeta puede quedarse indiferente ante un disco como Danzig II: Lucifuge en general, y con una composición como Blood And Tears en particular. Sin duda alguna, un disco y una canción que pondría muy arriba en la lista de los mejores de mi vida.

Un topicazo, pero ¿alguien se imagina esta canción en la voz de El Rey?

The One & Only

2011-10-03T00:00:00.002+02:00

Cada vez que pincho discos como The One & Only (1999), mi cabeza se transporta directamente a los años 50. No me quiero extender sobre lo que significa esa década para mí, porque no acabaría en dos días. Sólo decir que de ahí salieron algunas de las mejores cosas por las que un servidor se muere, y aunque muchos consideren que lo que hacen hoy en día gente como Kim Lenz es un simple ejercicio revivalista, en mi opinión, no podrían estar más equivocados. Una cosa es reproducir la tradición y otra muy distinta fusilar a los clásicos sin tener más que un poquito de talento y muchas ganas de creerse la última Coca-Cola del desierto. Esto lo hemos podido ver últimamente con ciertos personajillos de cuyo nombre no quiero acordarme, más que nada porque ya lo hice en alguna ocasión y no hay ninguna necesidad de que los seguidores de, por ejemplo, el James Brown del siglo XXI vuelvan a exaltarse.

Este fue mi primer disco de Kim Lenz, una tipa a la que siempre se la ha comparado con Wanda Jackson y Janis Martin, y aunque el nivel no llegue a esos extremos, yo la veo más cercana a la brevísima carrera de Barbara Pittman que a la de las dos leyendas anteriormente citadas, de quienes por supuesto Miss Lenz también ha aprendido mucho y muy bien, por cierto. Sus canciones respiran vitalidad por los cuatro costados, y reproduce -que no copia- junto a los Jaguars la parte auténtica del Rockabilly. Como mandan los cánones y en poco más de media hora, esta mujer destila picardía e inocencia a partes iguales -sabe dar la intensidad adecuada a lo que cada canción demanda - y no sólo es una intérprete de altos vuelos, porque también sabe escribir canciones con mucho gusto. Sin ser su mejor disco, aporta velocidad y frescura bajo una producción vintage, sin trampa ni cartón, y domina a la perfección los momentos en los que tiene que hacer de chica mala y peligrosa. Desde Howl At The Moon hasta You´ve Met Your Match, esta tentación pelirroja te administra una potente dosis de enérgico Rockabilly, deliciosamente matador para tus oidos. Si a eso le añades la presencia de Carl Sonny Leyland, Big Sandy y Nick Curran, poco más se puede añadir. Quizás que no tarde tanto tiempo en grabar otro disco como It´s All True.

Love Is Blindness

2011-10-01T10:00:00.003+02:00

A día de hoy, odio a U2 por ser unos traidores y porque me parecen casposos y ridículos a más no poder, patéticos en una palabra. Tampoco escucho sus viejos discos porque me aburren, excepto Achtung Baby que lo hago un par de veces al año y me trae unos recuerdos maravillosos. Sigue siendo un alucinante trabajo de reinvención pero ya no llama a mi puerta con la frecuencia que lo hacía hace veinte años y tampoco pienso todo el rato en volver a echar un vistazo al Zoo Tv Tour. Pero han creado un nuevo monstruo titulado Achtung Baby El Sacaperras que me está empezando a dar miedo...ya me bajé los pantalones con Exile On Main St. pero a fín de cuentas este es uno de los discos de mi vida y Achtung Baby....pues es Achtung Baby, dos jodidas palabras que en su día fueron una bomba de relojería.¿Ser o no ser?... uff!!...menuda putada que me van a hacer estos tios. Es que no tengo remedio...ya lo estoy viendo.

John Popper & The Duskray Troubadours

2011-09-29T00:00:00.009+02:00

Menudo zorro está hecho John Popper. Cuando ya nadie daba un duro por él, se rodea de unos cuantos amiguitos y saca de la chistera una delicatessen como esta en la que, faltaría más, sobresale su nombre por encima del resto. Cierto es que Popper es la estrella, por llevar la voz cantante y ser quien tiene el nombre, pero sin The Duskray Troubadours, el gordito no se hubiese comido ni los mocos. Los verdaderos ideólogos del proyecto son Aaron Beavers y el guitarrista y productor del disco Jono Manson, viejo amigo de su etapa Neoyorkina.
Abundan los medios tiempos con melodías fácilmente identificables, Popper deja de lado la pirotecnia y se dedica a hacer un gran trabajo con la armónica sin estridencias pajilleras. La mesura es clave para que las canciones funcionen de manera autónoma. De hecho, es un disco muy radiable, de los que tendrían un largo recorrido en las emisoras si hoy en día estas se dedicasen a programar música de verdad.

El gancho para que estas canciones te atrapen son sus irresistibles melodías, que se mueven por el Soul, el R&B de los buenos tiempos, el Country y el Blues en dos vertientes, uno muy reposado (escalofriante Bereft) y otro que juguetea con el Rock (el acelerado Leave It Up To Fate), curiosamente ambas firmadas por el propio John. Una balada como What Can I Do for You, que a priori no dice nada, termina destapando el tarro de las esencias. Sólo hay que hacer girar este disco tres o cuatro veces, y antes de que te des cuenta, te pasarás todo el día canturreando cualquiera de las doce composiciones.

Popper se vacía emocionalmente respaldado por una banda que no busca protagonismos innecesarios. La inmediatez de Love Has Made It So, la sencillez de Make It Better, la dulzura de Something Sweet, la campestre Champipple, los coros de Hurt So Much, la grandeza de All The Way Down, la conmovedora End Of The Line...no hay desperdicio. ¿Se convertirá esta aventura con The Duskray Troubadours en un clásico de nuestro tiempo?. Por supuesto que no, pero sus casi cincuenta minutos son un equilibrado ejercicio de eclecticismo y frescura a partes iguales. Por fín Popper aprende a evolucionar con sutileza y elegancia...quien lo diría viniendo de semejante cafre. El próximo año habrá nuevo disco de Blues Traveler, ¿volverá la desmesura?. La respuesta, my friend, is blowin´ in the wind.

Rock & Roll Submarine

2011-09-28T22:00:00.000+02:00

Apenas llegué a escuchar este disco cuatro o cinco veces en la semana que vió la luz. Unos pocos intentos por sacar de él algo que me recordara a los grandes tiempos. Sí, yo soy de los ingenuos que pensaban que podían grabar algo a la altura de Saturation o Exit The Dragon. Y duele porque la base de Rock & Roll Submarine intenta ir por esos derroteros. Tras tenerlo olvidado durante unos cuantos meses, es ahora cuando le estoy sacando un poco de chicha. Sigue sin gustarme el tono mate del sonido -adiós al glamour para volver a ser curritos del Rock- , las mezclas son un asco y algunos riffs son sospechosamente clavados a otros grabados en los 90.

Puede ser que las expectativas fueran muy altas tras dieciseis años sin publicar bajo el nombre de UO, y claro, en contrapunto a la grandilocuencia de su etapa en Geffen, encontrarte con un disco que suena "pequeño", muy crudo y sin solos decepciona a cualquiera. Por lo menos a mí, que debo ser el único fan de estos tipos al que este disco le parece poco más que correcto. Veo destellos de los UO que a mí me gustan, especialmente en las composiciones más Pop de Kato. En eso no han cambiado, sigue habiendo un mundo entre los temas de este y los de Roeser -igual de válidos pero como la noche y el día-. Pero el fuel extra que aportaba Blackie O ya no está. Si Rock & Roll Submarine hubiese salido en la etapa Touch & Go ahora estaríamos hablando de un gran disco pero existiendo los de Geffen...poco más hay que decir.

Después del cabreo inicial, y habiéndole dedicado tiempo, reconozco que el disco tiene su punto. Pero yo esperaba algo con mucha sustancia, y más ahora que autoeditan sus trabajos y están libres de cualquier atadura para hacer lo que les de la gana. No es que Rock & roll Submarine esté lastrado por una falta de ideas alarmante, más bien se trata de saber como enfocarlas. Porque talento hay pero unos UO con buenas canciones -haberlas haylas- pero sin los adornos de una gran producción, se quedan en poca cosa. No se han vendido ni mucho menos, pero lo bueno hubiese sido seguir pateando culos sin despeinarse sujetando el Martini en la mano. Como en Saturation, Exit The Dragon y si me apuras, el Debutante de Kato, que es uno de los discos que siempre hay que reivindicar.

Se Acuesta Con Los Angeles

2011-09-28T00:00:00.002+02:00

Se Acuesta Con los Angeles, Carrito de Alcampo, Pasando por El Corte Inglés....estas son algunas perlas incluidas en la traducción de la edición original de Sleeps With Angels. ¡Hay que ver cuanto daño han hecho los cursos de CCC en este país!.

George Michael Symphonica

2011-09-26T08:00:00.005+02:00

Tengo que empezar diciendo que jamás he sido fan de George Michael, de hecho, definiría como aborrecibles muchos momentos de su carrera y como destestables todos los hits que compuso en los ya lejanos 80. Con esta premisa, un servidor se presentaba el sábado en el BEC Arena como acompañante oficial de la reina de mi casa. En mi primera salida tras los retoques faciales que me he hecho recientemente (no estoy desaparecido, tan sólo estoy pasando el postoperatorio de la mejor manera posible) y con el disco de American Minor tocando las narices en todos los semáforos posibles, la idea de pasar dos horas en compañía de este divo de la música popular era cualquier cosa menos agradable.
Pero resulta que a este tipo, que está de vuelta de muchas cosas, se le ha ocurrido la brillante idea de dejar de lado su exitosa carrera y basar parte del show en un disco de standards americanos que grabó de la mano del gran Phil Ramone allá por el 99 con el que no tuvo ningún éxito. Ni que decir tiene que minutos más tarde muchísima gente saldría decepcionada tras comprobar que la mayoría de los superhits del amigo George brillaron por su ausencia.
La parafernalia escénica que antaño movía por el mundo ha quedado reducida a la mínima expresión. La atmósfera de club (a pesar de estar en un Arena) funcionó a la perfección. Un escenario sencillo, con una orquesta real insertada en él y una iluminación megacool sirvieron de marco perfecto para que George Michael debutara en Bilbao. Aunque no comulgue con sus carrera, este tio es fan de Johnny Mercer, Gershwhin, Jobim y Cole Porter... y eso son palabras mayores. No digo que sea suficiente para postrarse a sus pies, de hecho aparecieron poco o nada, pero siempre será mejor esto que morir aplastado por cosas como Last Christmas.
Confieso que hubo varios momentos en los que casi me entrego -uno tiene tres másters en grandes orquestas americanas y se pierde por todo lo que huela a ellas- y aunque esta simplemente fue muy correcta, algún clásico perteneciente a la Gran Depresión sonó de cine. Cayeron otros popularizados por Johnny Mathis, Billie Holiday ó Nina Simone y el amigo George mostró oficio cantando de primera - hoy en día es un lujo que un estrellón de estas carácterísticas no tire de playback- y dominando el pulso que requerían las canciones -a pesar de ese parón de veinte minutos que enfrió a más no poder-. Pero la cosa no quedó ahí, porque se marcó un Going To A Town de Rufus Wainwright absolutamente maravilloso (no soporto la pose de Rufus pero hay que estar muy ciego para no ver que ha escrito un puñado de canciones excelentes), reivindicó a Terence Trent D´Arby con Let Her Down Easy y remató con Love Is A Losing Game mientras en la pantalla se proyectaban imágenes de Amy que hicieron derramar alguna que otra lagrimilla por el foso. Imágenes clásicas de Aretha, Elvis, Marvin, Lennon, Stevie Wonder y alguna atómica de Dita Von Teese hicieron las delicias de los asistentes pero yo me quedé con las ganas de escuchar You & I que no es la mejor canción del mundo pero no tiene perdón que la haya retirado del Set List.
Haciendo una valoración general, hay que decir que a George Michael se le podría acusar de haber cometido en el pasado crímenes contra la humanidad pero este tipo es un músico de verdad -nada que ver con soplapollas del estilo de Robbie Williams- y desde luego que tiene un gusto exquisito para ciertas cosas que se pudieron ver el sábado en el BEC. Que guste es otra cosa. Pero eso, al menos, hay que reconocérselo.

The 12 Year-Old Genius

2011-09-23T08:00:00.002+02:00

Grabado en directo en 1962 en el Royal Theater de Chicago. Marvin Gaye a la batería, James Jamerson al bajo y el niño de doce años apabullando a la audiencia con la armónica, el piano, la batería, los bongos y el órgano. ¿Alguien da más?.

I'm Going Home To Live With God

2011-09-22T08:00:00.002+02:00

R.E.M.

2011-09-21T00:00:00.002+02:00

Gracias por tantos años de felicidad
Ahora es el turno de U2

Horrible Bosses

2011-09-09T00:00:00.009+02:00

Countrypolitan Favorites

2011-09-08T00:00:00.012+02:00

Estos pirados siempre se las arreglan para que termine quemando sus discos en verano. Este, en concreto, ha sido el de Countrypolitan Favorites, que tiene ya cuatro años pero suena tan delicioso como el primer día. Sólo a ellos se les podía ocurrir meter en la misma rodaja a The Who, Wanda Jackson, Slim Harpo, The Kinks, The Byrds, Lynn Anderson, La Creedence o T- Rex, entre otros, y facturar un cañón de disco capaz de levantar el ánimo a un muerto. Clásicos del Country, Psicodelia y Glam Rock en manos de tres flipados que ponen su sello personal a un puñado de canciones inmortales. Irresistible.

Sweet Soul Music: Rhythm and Blues And The Southern Dream Of Freedom

2011-09-07T00:00:00.004+02:00

Tiene más años que la guerra

pero es el mejor libro que un servidor
se ha echado a los ojos en todo el verano

The World's Greatest Rock 'n' Roll Drummer

2011-09-03T00:00:00.007+02:00

Fats Domino, Little Richard, Etta James, Sam Cooke, Phil Spector, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Eddie Cochran, Artie Wilson, Lloyd Price, Tom Waits...la lista de luminarias que contaron con los servicios de este pionero llamado Earl Palmer es interminable. ¿El batería más grande de todos los tiempos?...todo es posible después de escuchar este atómico recopilatorio en el que aparecen algunos de los monstruos sagrados de los ´50s.

It´s Mockingbird Time

2011-07-29T09:00:00.002+02:00

Felices Vacaciones

Buddy Miller Reloaded

2011-07-28T08:00:00.008+02:00

No es normal que a estas alturas de año un servidor no tenga los oídos destrozados por una sobredosis de decibelios. Pero es que el frenesí de un verano que parece que nunca va a llegar está tapado por la tristeza del julio más frío y lluvioso que se pueda recordar y ante la nula perspectiva de disfrutar de la estación más maravillosa del año, sólo queda emigrar hacia lugares donde hay sol y diversión. Pensaba escribir sobre algún disco acelerado y refrescante pero la verdad es que últimamente sólo encuentro tiempo para degustar la solemnidad que emanan los surcos de Universal United House Of Prayer, obra maestra que ya se paseó por este lugar hará unos dos o tres siglos.

Este disco de portada desconcertante y contenido evangélico en blanco y negro, es un trabajo de raíces que separa - y al mismo tiempo une- lo espiritual de lo terrenal e intenta mantener viva la llama de la esperanza hasta que uno pueda encontrar su propia luz al final del túnel. Armonías vocales de otro mundo, guitarras ásperas y una dura realidad poética que provocan destellos cegadores de belleza y desconcierto.

La sobriedad de su propuesta es inversamente proporcional a la genialidad creativa de Buddy Miller, dando como resultado un auténtica obra maestra en tonos sepia de las que ya no se facturan. El mensaje del disco es muy claro: orad y orad y puede que así quizás alcancéis el reino de los cielos. Cosa que no es nada dificil para quienes sabemos que nos iremos derechitos al infierno. Porque esto va de arrepentimiento y redención pero sus canciones resuenan en lo más profundo del alma, seas creyente o no, y dudo mucho que haya mayor premio beyond the clouds. Y si alguna vez existió la etiqueta Gospel blanco, no es el caso porque el carácter propio que los protagonistas insuflan a estas canciones, hacen de Universal United House Of Prayer el disco más negro jamás escrito por blancos. Una bomba atómica espiritual.

Back To Black

2011-07-24T09:00:00.005+02:00

Love´s Divine

2011-07-19T00:00:00.002+02:00

Una banda penosa y un montaje escénico ídem de ídem. Un comienzo para dormir a las ovejas con canciones malas de solemnidad y sonido lamentable. Estrella gigante, por dificil que parezca, de nula presencia escénica al que se le ocurre tirar de los clásicos: James Brown, Eddie Floyd, Ann Peebles, Al Green...en un instante la noche y el día. El Kursaal se viene abajo. Entrega absoluta y humildad a raudales. Furor uterino desatado a diestro y siniestro. Dos horas intensísimas con un artista mainstream que se dejó, literalmente, las pelotas. Salida por la puerta grande. Y yo, de acompañante presenciando esta locura. Nunca antes ví un bolo tan malo y al mismo tiempo tan bueno. Una Superstar con millones de carencias que sale todos los días en los medios por cuestiones extramusicales -¿Por qué no viniste Heidi?- pero que a mi me convenció. Disfruté como una perra con Love´s Divine y mi chica y yo bailamos agarraditos el Kiss From A Rose. A ella le encanta este tipo. A mí bastante menos. Pero el Madelman se salió. Y de justos es dar al César lo que es del César y a Dios, lo que es de Dios.

She Walks In So Many Ways

2011-07-02T08:00:00.002+02:00

Anticipo de su nuevo disco Mockingbird Time

Descarga gratuita en su Web
Sin Comentarios Al Respecto

Hoodoo Man Blues

2011-06-30T00:00:00.009+02:00

Corría el año 1965 cuando el armonicista Junior Wells y el guitarrista Buddy Guy se unieron a Jack Myers ( Bajo) y Billy Warren ( Batería) con la intención de registrar un disco que pasaría a la historia como uno de los referentes más importantes del género pero que jamás será reconocido en su justa medida.
Aquí se descubre lo que ocurre cuando el Blues del Delta viaja a la urbe para convertirse en Blues electrificado de Chicago. Junior Wells, un cantante claramente influenciado por James Brown y que había tocado la armónica en la banda de Muddy Waters es la estrella de la función junto a la guitarra desnuda pero poderosa de Buddy Guy .
Wells exuda en su bautismo "oficial" carisma y autenticidad por los cuatro costados y es tan explosivo en su cometido que es capaz de llevárselo todo por delante, incluido el fenomenal trabajo de Buddy Guy, sobre quien recae el esfuerzo de sostener los pilares de este inmenso monumento sonoro llamado "Hoodoo Man Blues".
Nada importa si se graba en condiciones rudimentarias: la voz de Wells y su delicado fraseo con la armónica y la elegancia minimalista que desprende la guitarra de Guy convierten este disco en un clásico incontestable. Y sucede porque nadie se dedica a reproducir clichés. Lo que se escucha es simplemente el más genuino sonido del Blues de Chicago con un grado de pureza que asusta. De la clase de grabaciones que no se pueden explicar porque pertenece a la categoría de Discos Sobrenaturales. Si se rasca un poco, no es dificil encontrar su influencia en la discografía de todo quisqui. Y huelga decir nada más salvo que si no lo tienes ya estás tardando en hacerte con él. ¿Es "Hoodoo Man Blues" el mejor disco de Blues de todos los tiempos?. Para un servidor desde luego que sí. Y si realmente no lo es, se le aproxima bastante.

Respect Yourself

2011-06-28T00:00:00.003+02:00

In Your Wildest Dreams

2011-06-26T09:30:00.001+02:00

Ahora que la máxima de Brian Setzer parece ser "Trinca la pasta y corre", no quedan muchos candidatos a la hora de disputarle la corona al Rey. La carrera del tipo que se esconde bajo el nombre de Reverend Horton Heat no despegará jamás , y a pesar de que su bolo en el Azkena quedó deslucido por causas ajenas a la banda, continúa siendo una auténtica máquina de facturar Rock And Roll. El único aspirante capaz de arrebatarle el trono a Setzer, es una apisonadora que vive en Texas y se llama Nick Curran, quien vuelve a pasar por un más que delicado estado de salud. Su confirmación definitiva en el resucitado Serie Z sería la mejor de las noticias. Como así lo espero, querido Nick, esta maravillosa canción de amor es para tí. I love you, man!.

Just Another Band From East L.A.

2011-06-25T00:00:00.001+02:00

Cesar Rosas

The Real King

2011-05-02T00:00:00.004+02:00

Sam

2011-04-30T00:00:00.002+02:00

Big & Cool

2011-04-02T20:00:00.003+02:00

Simply Beautiful

2011-02-23T00:00:00.004+01:00

En las pelis, casi todos los finales suelen ser felices. En la vida real, las cosas son muy distintas y siempre ganan los malos -aunque aún no se haya dicho la última palabra-. Hasta que eso ocurra, seguirán los silencios y las ausencias. Hay quien dice que la paciencia es amarga, pero también que sus frutos son dulces y de todo esto al final saldrá algo bueno. Hoy es 23-F, una fecha que siempre será recordada porque unos cuantos cretinos intentaron privarnos de una cosa llamada libertad, lo que un servidor intenta conseguir en estos momentos. Pero además, mi chica cumple años y por eso esta canción de I'm Still in Love With You es para ella, que suena muy dulce pero rockea más duro que ninguna otra. Tal cual es ella. Felicidades para mi eterno amor y salvavidas y toneladas de paz y buen rollo para todo el mundo.

It´s Ok

2010-12-13T08:00:00.005+01:00

Aunque no de señales de vida, todo está Ok. Quizás no lo suficiente como para dedicarle a este sitio un poco de atención, pero es lo que hay. En este momento vivo inmerso en una vorágine de trabajo y más trabajo y mi vida social también está sujeta al dichoso trabajo. Es tiempo de cambios, y para bien o para mal, son deslumbrantes pero no dejan ni respirar y me entero de las noticias mal y tarde. Las hay muy buenas, como los retornos de The Jayhawks, Lucinda Williams, North Mississippi Allstars y Social Distortion. Regulares como la vuelta de Urge Overkill versión 2.0 pero sin un ápice de glamour. Y nefastas porque La Reina se muere, o eso dicen, y esta duele porque se apaga la voz más grande del universo. En realidad debería estar preparando mi ansiado viaje navideño al otro lado del charco, pero un servidor también se prostituye por dinero, así que de momento, el zorrear se va acabar. Y yo pensando en derretirme -en todos los sentidos- otro invierno más al calor de la hoguera de Al Green. Lo más que puedo hacer es regalar el nuevo disco de Over The Rhine -The Long Surrender- , que vuelven de la mano de Joe Henry -con colaboración de Lucinda incluida- y este video que es una mierda pero a mi me gusta. Si antes no tenía remedio, esto ni tiene nombre. Además de puta, ahora también hortera de bolera.

The Classic Albums

2010-12-02T00:00:00.013+01:00

Por mucho que uno sea un romántico que intenta abstraerse del chaparrón tecnológico parapetado tras la trinchera de la nostalgia, es inevitable que la velocidad a la que avanza el siglo XXI termine arrastrándote a la locura de comprar deshumanizantes cachivaches que son muy prácticos pero más gélidos que este temprano invierno. El placer de poder tocar la cubierta de un libro, acariciar y oler sus páginas, contemplar las fotografías en todo su esplendor y emocionarse leyendo la tinta impresa sobre papel blanco no tiene parangón.

En la lucha por mantener una cordura ya perdida, me hice con este libro titulado "Stevie Wonder- A Musical Guide To The Classic Albums"que tiene ya cinco años y cubre aspectos de la vida del niño prodigio desde su nacimiento hasta la publicación del álbum "A Time 2 Love", haciendo especial hincapié en la magia de "Music of My Mind", "Talking Book", "Innervisions"," Fulfillingness’ First Finale" y "Songs in the Key of Life". El autor, Steve Lodder, recomienda pinchar los citados discos conforme la lectura avanza, pudiendo descubrir de esta manera un montón de matices nuevos. Como músico que es, a veces se pierde en aspectos técnicos pero realmente es una gozada redescubrir desde esta retrospectiva el impactante legado de las canciones de Stevie Wonder, repasando en profundidad un buen puñado de temas gloriosos.

La parte que chirría es en la que el tal Lodder afirma sin tapujos que sin la ayuda de Robert Margouleff y Malcolm Cecil, Stevie Wonder no sería Stevie Wonder. Cierto es que ambos fueron los ideólogos a la hora de programar el sonido de los teclados con los que Stevie se adelantó a todo el mundo, pero las canciones y su habilidad como multiinstrumentista salieron de la lámpara del genio y eso no admite discusión alguna. Define "Songs In The Key Of Life" como un álbum excesivo en todas sus formas -¿21 temas no son para explayarse a gusto?- que según él, hubiese sido más contenido con la presencia de Margouleff y Cecil y declara "Innervisions" como obra referencial por encima del resto -nada que objetar- pero no valora
" Fulfillingness’ First Finale" en su justa medida, y aprovecha que el Pisuerga pasa por Valladolid para pegar veladamente unos cuantos palos a Prince, a quien considera poco menos que un pobre imitador de Stevie.

El tamaño de este artefacto es similar al de un libro de texto, por lo que es una delicia contemplar en todo su esplendor un mogollón de fotografías en blanco y negro que son realmente maravillosas. "Stevie Wonder- A Musical Guide To The Classic Albums" no es lo que se entiende por un libro imprescindible, pero sólo por recoger tantos aspectos de la carrera de este fenómeno, vale su peso en oro y es un millón de veces mejor que los últimos libros publicados sobre la vida y milagros de este genio.

Ahora que he caido en las redes de la tecnología con un aparatejo llamado Nook -la leche de práctico pero más soso que el pan sin sal- me reafirmo en el romanticismo de papel. Y más si son 240 atómicas páginas centradas en el periodo más creativo de Stevland Hardaway Judkins Morris. Es que lo mio con este tipo no tiene remedio. Lo de las nuevas tecnologías parece ser que tampoco.

Royal Crown Revue - kafe Antzokia 27-11-10

2010-11-29T00:00:00.019+01:00

Media entrada el pasado sábado para presenciar el bolo de Royal Crown Revue en el Antzoki. Como ya comenté recientemente, un servidor tenía sus reservas y en cierta manera se confirmaron todas. Esta banda sigue siendo muy grande pero ya no es el atómico combo que en tiempos pasados se dejaba -literalmente- las pelotas sobre el escenario. Sigue habiendo actitud y glamour - la nueva incorporación femenina es un bellezón con una voz preciosa- y se nota que Eddie Nichols y los suyos son perros viejos sobre las tablas pero presentar un repertorio lastrado por un excesivo número de versiones -interpretadas con mucho gusto- y la sensación de actuar con el piloto automático puesto no dice mucho en su favor. El amigo Nichols sigue siendo un entertainer increible y Mando Dorame, Daniel Glass, el recuperado Veikko Lepisto y el sustituto de James Achor, Mark Cally - pelín flojo sobre las tablas- son quienes recuerdan la mejor cara del pasado de RCR. Los mercenarios que trajeron no lo hicieron nada mal, pero la banda ya no es tan fiera como antaño, a pesar de pequeños destellos de tiempos pasados.

Aún así, fue una hora y media fantástica con momentos extraordinarios y los clásicos numeritos escénicos de todos los años. Pero la sensación de que algo se ha perdido por el camino está ahí y si no lo remedian, RCR corre el peligro de convertirse en un pastiche capaz de reproducir todos los clichés habidos y por haber que año tras año volverá a visitar tu ciudad contando más de lo mismo.

Como firme candidato al premio "Groupie Del Año", me dediqué a perseguirlos por toda la sala cuando el concierto finalizó. Hubo fotos y firmas con la vieja -y nueva- guardia y charlé con todos ellos de lo divino y lo humano. Daniel Glass me mostró los libros que ha escrito, contó cosas sobre Bill Ungerman y Scott Steen -el primero voló para iniciar su carrera como arreglista, el segundo para tocar en el Cirque Du Soleil- se negó a elegir su batería definitivo y definió a Mike Ness como un tipo "Cool pero muy extraño". Veikko Lepisto es entrañable y muy educado y Mando Dorame -From Watts!- quedó encantado cuando hablamos del gran trabajo que hizo en el "Cheating At Solitaire" de Mike Ness. Me contó que es un gran tipo pero sin embargo no pudo añadir nada sobre Brian Setzer y Bruce Springsteen simplemente porque no coincidió con ellos en el estudio cuando grabaron el disco en solitario del loco Mike.

Conseguido el objetivo de hacerme la foto con Jennifer Keith, el siguiente paso era acosar a Eddie Nichols a diestro y siniestro, cosa que sucedió antes y después del concierto. Estuvimos hablando de mil cosas, entre otras, de su amistad con el lider de Social Distortion y Brian Setzer y sus cameos en los discos de BSO, de la incógnita sobre su proyecto con The Redondos que parece quedar definitivamente en el limbo, de la cantidad de canciones que tienen escritas para grabar próximamente un álbum completamente nuevo -veremos- y lo avanzadas que están las conversaciones para girar el próximo verano por nuestro pais junto a Nick Curran y The Blasters-aquí me empieza a faltar el aire- y me dió un gran abrazo cuando le conté mi ya larga historia de amor con Royal Crown Revue.

Set List incompleto de Daniel Glass
Cortesía de mi amigo Andoni

En lineas generales, el bolo fue estupendo. Más que nada porque es imposible quedarte indiferente ante el Swing de Nichols y cía. Y aunque esta banda ya no sea el huracán que arrasaba todo a su paso -dejando de lado el puñado de clásicos propios que han conseguido reunir desde 1989 en favor de standards millones de veces sobados- esta vez la excusa para venir era la publicación del correcto "Don´t Be A Grinch This Year!. Más que suficiente para reencontrarme con los amigos a los que hacía una eternidad que no veía. Y para mí, eso ya es la releche.

Nick Curran & The Lowlifes - Sala Azkena 11-11-10

2010-11-12T08:00:00.007+01:00

Primera Fila Sin Moscardones

Fotos Por Un Tubo

Firmas

Set-List (Firmado En El Reverso)

Charla Jugosa y Fotos Con Todos Los Protagonistas

(Obviamente Censuradas)

Todo Lo demás Sencillamente
I-NE-NA-RRA-BLE

Home Motel

2010-11-11T00:00:00.007+01:00

Las canciones van y vienen, pero algunas, como las del viejo Willie, siempre vuelven para quedarse.

Persiguiendo La Eternidad

2010-11-10T00:00:00.000+01:00

Me cuesta encontrar discos contemporáneos de Jazz que consigan traspasar la frontera de los oidos y me toquen el corazón. No tiene nada que ver con la idea de que cualquier tiempo pasado siempre fue mejor porque estratosféricos instrumentistas de Jazz siempre los ha habido. Supongo que obedece a una simple cuestión de gustos y formas a la hora de hacer las cosas, cuando todo se hacía de otra manera y la imaginación se plasmaba en sesiones prácticamente improvisadas con artilugios que ahora parecen antediluvianos pero que eran capaces de capturar la magia como ningún sofisticado aparato puede hacer hoy en dia. Pero en mi caso, que soy capaz de combinar sin ningún problema cualquier género y época, hablando de Jazz, lo clásico barre prácticamente cualquier referencia contemporánea. Pero como tampoco puedes vivir con la equivocada idea de que todo está inventado y no queda nada por descubrir, de vez en cuando me acerco a músicos que todavía tienen mucho que decir en el siglo XXI.

El caso más representativo de todos es el de Brad Mehldau, sublime pianista de singular estilo y en mi -seguramente equivocada- opinión, el mejor músico actual de este género. Un tipo que no tiene complejos a la hora de combinar composiciones propias y clásicos inmortales con la música de los Beatles, Nirvana e incluso el tropicalismo brasileiro. Con apenas 40 años de edad, tiene más de 15 trabajos publicados a los que hay que sumar una interminable lista de colaboraciones.

En 1998, publicó junto a sus compinches Larry Grenadier y Jorge Rossy una obra de arte titulada "Songs: The Art of the Trio Volume III". Un disco de tono suave e introspectivo y de tal calidez que provoca efectos sedantes, haciendo gala de la habitual y magistral arquitectura sonora con la que construye sus composiciones. El tipo pulsa las teclas de su Steinway con tanto virtuosismo como emoción. Se marca un "Bewitched, Bothered And Bewildered" de lagrimón y convierte "Exit Music (For A Film)" de Radiohead en una pieza digna de ser comparada con cualquier clásico de la historia de la música. Deconstruye la maravillosa pero también trilladísima "For All We Know" de una manera tan brillante que consigue reescribirla sin que pierda su seña de identidad. Pero sus propias composiciones también son de órdago: en los seis minutos de la inicial "Song-Song" el oyente viaja por todos los estados de ánimo que un ser humano pueda conocer. La dulce y dinámica "Unrequited" contrasta con la serpenteante melodía de "At A Loss". Todo lo que toca el señor Mehldau se convierte en oro y cuando aparece en los discos de otros, el nivel sube hasta tocar el cielo. Ahí están "Teatro" de Willie Nelson, "Scar" de Joe Henry y el magnífico duelo con Allen Toussaint en "The Bright Mississippi", por poner tres ejemplos.

La discografía de Brad Mehldau está repleta de discos maravillosos, alguno incluso mejor que este. Pero dicen que el primer amor nunca se olvida. Y es que es imposible no enamorarse de la belleza que esconde"Songs: The Art of the Trio Volume III". Comparado en infinidad de ocasiones con Bill Evans, Brad Mehldau no necesita más referente que él mismo para alcanzar una eternidad ganada a golpe de talento y emoción. Y no me quiero olvidar del gran Tsi, porque gracias a él y la maravillosa versión que contiene este disco del "River Man" de Nick Drake, hoy he vuelto a recordar uno de los grandes discos de mi vida. Gracias amigo.

The Lady killer

2010-11-09T12:01:00.001+01:00

Hoy se pone a la venta "The Lady Killer", el disco de Thomas DeCarlo Callaway A.K.A. Cee-Lo Green, el tipo que saltó a la fama en todo el mundo por ser la mitad del dúo Gnarls Barkley. En una ingeniosa maniobra de reciclado y reenvasado del groove de la época dorada de las factorias Soul, el bueno de Cee-Lo ha sabido aprovecharse descaradamente del revival que arrastra el mercado desde que "Back To Black" reventara las listas de éxitos pero con la perspectiva de entregar un disco del siglo XXI. Y en este contexto, es dificil reprochar algo a un disco financiado por una multi que sólo quiere ver resultados.

Dentro de la comercialidad que campa a sus anchas y saquea sin remilgos lo mismo "Billie Jean" que cualquier otra cosa encuadrada dentro del sonido Philly ,"The Lady Killer" tiene cosas muy aprovechables. Este candidato idóneo al papel protagonista de un hipotético Biopic de Solomon Burke demuestra que nació para cantar y seducir con ritmos compulsivos y coros irresistibles y que los aires Motown le van mejor que el rollo Hip-Hop de sus anteriores trabajos y todas las maquinitas de Gnarls Barkley juntas. Y que si se lo propusiera, podría hacer un gran disco al margen de la industria.

La calculada censura de un estimable tema como "Fuck You" -rebautizada como "Forget You"- pierde enteros frente a "Bright Lights, Bigger City" y delicias como "Wildflower", "Satisfied", "Cry Baby", la sublime "I Want You" y "Old -Fashioned" -que realmente parece sacada del túnel del tiempo por cortesía de Salaam Remi-. En la parte odiosa está la incomprensible cover de Band Of Horses -"No One's Gonna Love You"-, el saqueo a Marvin en "Bodies" y otras tres ó cuatro perlitas que no merecen la pena ni ser nombradas, amén del rollo James Bond con el que comienza y acaba el álbum.

Independientemente del resultado global del disco, Cee-Lo Green demuestra una vez más que sabe cantar y dominar una buena cantidad de registros. Que para un disco destinado a la generación MTV ya es mucho, tal y como está el patio. Sea como fuere, "The Lady Killer" va a entrar directo a los primeros puestos de muchas listas, entre otras a la mia de "Guilty Pleasures 2010". Abstenerse rockeros, puristas y gente que se tenga en alta estima.

The Hi Singles

2010-11-05T00:00:00.009+01:00

Hoy tenía previsto hablar de otras cosas, pero siendo viernes, lo mejor es pasar de todo e intentar encarar el fin de semana con buen pie. Desde que este blog empezara a rodar allá por el mes de junio de 2008, he hablado de discos de toda condición y pelaje. Sin embargo, nunca he recomendado un recopilatorio porque odio este tipo de lanzamientos. A ver, ¿Quién puede comprarse un disco llamado "Telephantasm"?, ¿Tiene algún sentido enlatar la música de Soundgarden en un triste recopilatorio?, vale que contenga algunas (pocas) golosinas pero es que este tipo de discos están muy bien para fans de Ricky Martin y Shakira y no para mostrar la música de una banda que redefinió el rock a toda una generación que no entiende de recopilaciones absurdas. Todas las canciones de "Badmotorfinger" tienen vida y espacio propio y no pintan nada al lado de las de "Down On The Upside" y viceversa. Pero como en todas las situaciones de la vida, siempre hay excepciones. Y en este caso se llama "The Hi Singles A's & B's". Un doble compuesto por 47 canciones que abarcan los maravillosos e inigualables 24 singles que Ann Peebles lanzó bajo el padrinazgo de Willie Mitchell en Hi Records. Pensaba soltar un rollo de mucho cuidado pero lo mejor en estos casos es ir directamente al grano: Si no tienes este disco, entonces tu vida no tiene ningún sentido. Así de claro. Cuando te des cuenta de los ovarios que le echa esta tia, capaz de provocar cortocircuitos en el corazón del más pintado, entenderás que la Peebles es mucha Peebles. Tanto que no deja registro emocional por cubrir. Y algo tendrá cuando las estrellas más estrellas del mundo mundial se mueren por su música. Todo esto se puede ver en YouTube y juro que no tiene precio.
El hecho de que sea un recopilatorio tiene todo el sentido del mundo porque su discografía no circula por los cauces que debiera. Ni "Exile on Main St.", ni "Blonde on Blonde", ni "Physical Graffiti" ni leches en vinagre. The Best Double Album of All-Time es el de ahí arriba y punto. Y aunque me esté pasando de echarle morro, que nadie olvide que hoy es viernes y es dia de Soul, como dice un gran amigo y sólo es una excusa más para desearos a todos un maravilloso y feliz fin de semana.

The BellRays- Kafe Antzoki 03-11-10

2010-11-04T00:00:00.027+01:00

Buena entrada ayer para ver a los BellRays en mi estreno como asistente a conciertos más solo que la una. Esta vez no fue posible engañar a nadie, así que no quedó más remedio que presentarse en solitario pero con muchas ganas en el Antzoki. Minutos antes de comenzar, tuve la suerte de encontrarme en la calle con Lisa Kekaula y Bob Vennum quienes se dirigían al hotel para cambiarse de vestuario. Tras las fotos de rigor- como oro en paño guardo la que tengo junto a Lisa disparada por el propio Bob-, ambos estamparon sus firmas en el carro de libretos que llevaba conmigo. Se mostraron encantadores en todo momento y tras mantener una breve charla sobre su nuevo álbum, Lisa alucinó en colores cuando le conté que "One Big Party" fue mi canción de 2008 y la banda sonora de uno de los momentos más especiales de mi vida. Me despido de ellos dándoles las gracias y deseándoles suerte.

En el interior, pasados unos minutos de las 21:30, los BellRays, ya con pinturas de guerra, hacen acto de presencia y arrancan el show de una manera bastante suave con "The Fire Next Time". La nueva sección rítmica es bastante buena, en especial el bajista que se mostró muy participativo durante toda la noche. La Kekaula adopta una postura mucho más fría y poco comunicativa que la mostrada minutos antes en la calle y el bueno de Bob se vacia, haciendo olvidar definitivamente la figura del exiliado Tony Fate. A pesar de haber arrancado de manera bastante tranquila, la actuación va de menos a más y encadenan un tema tras otro sin darnos tregua. Hacia la mitad del show, el ritmo empieza a decaer de manera vertiginosa pero sólo es un espejismo porque enseguida consiguen remontar el vuelo. De los momentos conocidos, destacaría las pequeñas grandes canciones de sus dos últimos largos como "Infection", "Maniac Blues" o "Detroit Breakdown". Eché de menos la funky "Tell The Lie" con la que solían comenzar, o la despiadadas "Pay The Cobra" o "Snotgun" e incluso la deliciosa "The Same Way" pero desde luego no seré yo quien se queje. Tocaron todas las canciones de su nuevo álbum "Black Lightning" que está a punto de ponerse a la venta y aunque la mayoría sonaron de muerte, un repertorio inédito siempre es un riesgo y de ahí ese pequeño bajón . Pero los momentos grandes fueron "One Big Party", aunque no sonara con la fuerza que merece, la locomotora sin frenos que es "Voodoo Train" que sirvió para cerrar antes del primer bis y ya metiditos en el segundo cayó "Have A little Faith In Me" que fue aún más sobrecogedora que la del disco.

Set List cortesía de su gentíl propietario

Eché en falta minutos para su material más primitivo pero no me quejo. Minutos después, Lisa y Bob hicieron acto de presencia en el puesto de merchandising, y aunque el material que traían fue un poco decepcionante, no podré olvidar la cara de Lisa cuando me espetó: Hey, I remember you!. Tras una brevísima charla, donde se volvió a mostrar encantadora, nos despedimos deseándonos nuevamente toda la suerte el mundo.

Hoy en dia The BellRays son Lisa Kekaula y Bob Vennum, y aunque yo fuese escéptico con el futuro de esta banda desde la marcha de Tony Fate, hay que decir que han sabido sacarse las castañas del fuego pero que muy bien. Puede que no sean los mejores músicos del planeta ni escriban las mejores canciones. Tampoco es que sus directos se cuenten como legendarios. Pero con sus limitaciones, esta banda continua la evolución marcada por "Have A Little Faith", dándole otra vuelta de tuerca a la fórmula garage Rock+MC5+ Soul= Maximum Rock'n'Soul. Ya queda menos para que aterrice su nuevo "Black Lightning".
Ha sido una gran experiencia asistir a un bolo conmigo mismo y contemplar en todo su esplendor la bonita fauna que hay ahí fuera, con mogollón de conocidos incluidos. De vuelta a casa, canturreando en la soledad del coche mientras una fina lluvia empañaba el cristal, he recordado que la semana que viene habrá más y mejor. Y de nuevo solo. Lo contamos.

Maravilloso anticipo de su nuevo álbum "Black Lightning"

"That's Not the Way it Should Be"

I Fall In Love Too Easily

2010-11-02T00:00:00.009+01:00

La cosa más increible que he visto en los últimos tiempos es este maravilloso retrato sin título conocido. El artista que lo ha realizado, cuyo nombre también es una incógnita, utilizó en su confección raices de árbol y un montón de asquerosos bichos disecados que imprimen aún más fuerza a la imagen de este irrepetible ser. La fotografía se tomó en el momento en el que una cansina encargada de sala miraba para otro lado y bostezaba sin poder dejar de mirar el reloj, seguramente contando los minutos para bajar la persiana. El precio de esta jodida maravilla sólo está al alcance del bolsillo de personajes tipo Donald Trump y otros cuatro ó cinco horteras de bolera como él, que podrían llevárselo a casa sin despeinarse el tupé. Ignoro cual será su paradero actual, ojalá estuviera colgado en una de las paredes de mi humilde morada. Es que yo no tengo remedio y me enamoro con demasiada facilidad, como el clásico de Jule Styne incluido en el injustamente devaluado "Seven Steps To Heaven" y que ahora siempre irá ligado a un increible retrato que vaya usted a saber de la pared de qué merluzo estará en este mismo momento colgando.

El Armonicista Marica

2010-10-30T12:00:00.006+02:00

Mal vamos si en la tarjeta de presentación se hace referencia a la condición sexual de una persona. Pero en la vida, siempre hay excepciones y en determinados casos como es el de Jason Ricci, no está de más adoptar una postura tan poco usual sobre todo en un mundo tan cerrado como es el circuito del Blues. El amigo Ricci no es sólo un provocador más que viste como un Punk Rocker porque este angelito va camino de dejar huella con su armónica. De la parte menos conservadora ha recibido varios premios por revolucionar el género. De la chunga, amenazas de muerte y vetos por doquier.

El año pasado editó junto a su banda New Blood el disco "Done With The Devil", incorporando a las reglas del Blues temas de Jazz, Rock, Funk y lo que le echen. La banda es de cuidado, sobresaliente el guitarrista Shawn Starski, y el listado de temas mezcla composiciones propias de todos los miembros de la banda con clásicos de Willie Dixon, Sun Ra, Mongo Santamaría y para que no falte de nada hasta el "I Turned Into A Martian" de los Misfits.

Un tipo que juega con sus propias reglas, pasándose por el arco de triunfo el aluvión de críticas que le llegan desde los sectores más puristas. Sin embargo, para los más tolerantes, es un innovador con personalidad y estilo propio. Y así lo demuestra en "Done With The Devil", tocando con maestría y pasión y mostrando una inusual disposición para explorar terrenos donde otros aún no han llegado. Entre los temas originales hay mucho de su vida personal y un equilibrio entre canciones con cierto regusto a unos Aerosmith sureños, el soul de Memphis y lánguidos tempos de Blues. Los gustos de Ricci son muy eclécticos y aunque no sea el mejor cantante del mundo, es su peculiar y magistral estilo con la armónica lo que le coloca en otro nivel. "Done With The Devil" es su octavo trabajo y la verdad es que el disco tiene su punto.

Nacido en Maine pero residente en Nashville, este angelito es quien sopla en el tema "Reel Rock Party" incluido en el monstruoso "Reform School Girl" de su paisano Nick Curran. Vamos, que Dios los cria y ellos se juntan. Y por si no fuera suficiente con estas credenciales, también se declara seguidor de las enseñanzas de Aleister Crowley. Maestro de la armónica y de la provocación, un fuera de serie este Jason Ricci.

Stanley Kubrick Fotografo 1945-1950

2010-10-29T00:00:00.006+02:00

Antes de que el mundo conociera al Kubrick director, existió un chaval apasionado por la fotografía cuyo trabajo finalmente puede verse en la exposición Stanley Kubrick Fotografo 1945-1950. Una excepcional selección de los miles de negativos encontrados en su Nueva York natal. Estas doscientas fotografías que el genial director realizó para la revista Look, desprenden una fuerza y una naturalidad apabullantes y es un placer contemplar maravillosas instantáneas de Rocky Graziano y Montgomery Clift entre la rutina diaria de gente corriente. Una América en blanco y negro retratada con maestría. Una genialidad que está a punto de comenzar a rodar por el mundo y que nadie debería perderse porque es absolutamente imprescindible descubrir la parte menos conocida de uno de los grandes directores de cine, igual de grande tras el objetivo de su Roilleflex, cuyas instantáneas no pueden caer en el olvido.

My One & Only Love

2010-10-08T00:00:00.002+02:00

I Just Dropped By To Say Hello

2010-10-07T19:00:00.003+02:00

Cualquiera que me conozca, sabe que en mi hay un tipo con alma de crooner. Y cuando llega el otoño -aunque ahora mismo no lo parezca-, desempolvo unos cuantos discos perfectos para hacer sonar en esta época del año. Uno de los mejores -y más olvidados-, es este "I Just Dropped By To Say Hello" que Johnny Hartman grabó en 1963 en el sello impulse!, siguiendo la estela del increible clásico "John Coltrane and Johnny Hartman". El bueno de Hartman, que nunca llegó a conseguir ni la cuarta parte que otros mediocres "blanquitos", meras fotocopias de Sinatra, era poseedor de un aterciopelado e impecable fraseo capaz de sofisticar cualquier canción hasta el punto de llevarla a su terreno y engrandecerla aún más y en su momento se le consideró una especie de sucesor de otro grandioso crooner negro como fue Billy Eckstine.

Por si fuera poco, los tipos que tocan en este disco se llaman Hank Jones, Illinois Jacquet, Kenny Burrell, Jim Hall, Milt Hinton y Elvin Jones. Entre todos consiguen que los arreglos de los once temas suenen con la precisión de una maquinaria suiza y al mismo tiempo con todo el sentimiento del mundo gracias a la profunda y sensual voz de Hartman, convirtiendo estos poco más de treinta minutos en una grabación tan espectacular e íntima que muchas noches no puedo parar de hacer sonar. Este tipo es de los que cantan haciéndote caricias en los oidos, susurrando las letras con una naturalidad pasmosa.

El tratamiento que Hartman confiere a las canciones es tan personal que insufla nueva vida a composiciones como "In The Wee Small Hours Of The Morning", llegando a poner en aprietos a la increible versión de Sinatra -y tiene delito que yo diga esto porque Ol´ Blue Eyes siempre será lo más de lo más - . Pero Johnny Hartman también dominó la seducción sin imitar a nadie, emocionó con convicción gracias a su cadencioso y sedoso fraseo y merece un tratamiento que la historia le ha negado injustamente. El maestro Clint Eastwood, que de esto sabe un rato, incluyó varias de sus grabaciones en la banda sonora de "Los Puentes De Madison". "I Just Dropped By To Say Hello" vuelve a estar en circulación en otra de las chapuceras e incomprensibles reediciones que últimamente sufren los discos catalogados como Jazz, con un cutrísimo artwork y una penosa remasterización que deslucen una serie de trabajos que son, por derecho propio, intocables.

Gentleman´s Blues

2010-10-06T00:00:00.004+02:00

Todos tenemos, al margen de los grandes clásicos, nuestra pequeña parcela de discos que nunca trascenderán más allá de ser pequeños clásicos en nuestras vidas y que jamás aparecerán en las dichosas listas de grabaciones memorables que debes escuchar antes de abandonar este mundo. Discos que por el simple hecho de acompañarte en el transcurso de los años, de esos que sigues rayando una y otra vez y que no dejan de proporcionarte alegrías, se convierten en imprescindibles.

En 1998, Cracker publicaron "Gentleman´s Blues", un disco de generoso minutaje sin desperdicio, repleto de canciones que nunca dejarán de sonar frescas. Jugando con los elementos aprendidos hasta la fecha, pero corregidos y aumentados, el sarcasmo y la inventiva de David Lowery (que para algo tiene que servir estar como una cabra) junto al complemento perfecto de este, Johnny Hickman, se beneficiaron de una sana dosis de madurez para dar forma a una obra más compacta que nunca gracias a una menor dosis de extravagancia y una buena cantidad de melodias muy elaboradas marca de la casa.

Independientemente de los cameos que haya en el álbum, entre otros Tommy Stinson y los honorables caballeros Heartbreakers, Mike Campbell y Benmont Tench, el disco guarda ciertas reminiscencias con la música de Tom Petty. Pero tampoco es un hecho científicamente probado y puede que ahora sea yo quien esté como una cabra. El arranque con "The Good Life" y la irónica "Seven Days" son un desparrame contaminado de buen rollo, cediendo paso a otra maravilla titulada "Star". La atmosférica "James River" se enriquece con un cello tocado por Mike Campbell y el piano de Kenny Margolis, que parece querer rendir tributo al también participante Benmont Tench. A estas alturas de la peli, el bueno de Johnny Hickman ya ha vuelto a demostrar con creces su poderío a la guitarra y el pirado de David Lowery los motivos por los cuales es el lider de esta banda.

A partir de aquí, ya no hay respiro y tras el triplete que se marcan con "My Life Is Totally Boring Without You", la exquisita y también atmosférica "Been Around The World" y la atómica "The World Is Mine" aparecen "Lullabye", una magnífica balada con reminiscencias gospel que a tenor de su ocurrente letra parece haber sido escrita bajo los efectos de algún potente ácido y "Waiting For You, Girl" que consigue subir de nuevo las revoluciones. De los temas que aporta Hickman en solitario destacan las fantásticas "Trials And Tribulations" y "Wedding Day" que parece sacada del "Exile On Main St.". El tema que da título al disco, es un maravilloso y evocador ejercicio de melancolía con un Hickman que se sale a las seis cuerdas. La pequeña ida de olla circense de Lowery, "I Want out The Circus" es simpática sin más y para el final quedan dos temas muy especiales salidos también de la pluma de Lowery, la espiritual "Hallelujah" y una desgarradora "Cinderella" cantada por la sensacional Kristin Asbury. De pistas en blanco y marcaciones telefónicas mejor no comentar nada.

"Gentleman´s Blues" nunca tuvo un hit en las listas, como sí fue el caso de "Kerosene Hat", lo cual no quiere decir que sea peor que este. Simplemente Cracker ya no estaban en el momento ni en el lugar adecuado y aunque nunca triunfó como debiera, para algunos "Gentleman´s Blues" siempre será ese pequeño gran clásico personal capaz de animar cualquier dia del resto de tu vida.

Roberta & Donny

2010-10-05T00:00:00.004+02:00

En 1972, bajo el logo de uno de los mejores sellos de todos los tiempos, Atlantic, vió la luz esta delicia de disco hecho mano a mano por Roberta Flack y Donny Hathaway. Para poder avanzar en la historia, es obligatorio disociar el nombre de Roberta Flack y "Killing Me Softly with His Song" porque esto no tiene nada que ver con el dichoso hit de marras y aunque yo no tenga aún muy claro la carrera de quien se estaba intentando apoyar en ese momento, de la idea de combinar el talento de dos viejos amigos de la universidad sólo podía salir un disco tremendamente arrebatador con la intención de llevar sus nombres a lo más alto de las listas.

Por esa época, los dos ya estaban establecidos como artistas en solitario pero juntos se complementaban a las mil maravillas. Una de las mejores versiones de "I (Who Have Nothing)" está en este disco, junto a otras cosas como la fallida "Baby I Love You" porque Aretha la puso en órbita y contra eso poco queda por hacer. De las originales escritas mano a mano como "Be Real Black For Me" o el arreglo conjunto de la tradicional "Come Ye Disconsolate" salen triunfantes. Pero aunque el éxito llegó con "Where Is The Love", "You´ve Got A Friend" y "You´ve Lost That Loving Feeling", la belleza más absoluta también se esconde detrás de "When Love Has Grown", la alucinante "Mood" y por supuesto "For All We Know", canción de una intensidad emocional que asusta con la voz de Mr. Hathaway devastando almas sobre el piano de Miss Flack.

Bañado por los sedosos arreglos de Arif Mardin y el propio Donny Hathaway más la combinación de dos voces impresionantes y la alternancia de los protagonistas a las teclas, este disco no puede ser contado de ninguna manera. Sólo hay que bajar la intensidad de la luz y dejarse llevar por la magia de una delicatessen irrepetible. De las que pertenecen a una época que desgraciadamente jamás volverá.

Salvación y Reconciliación

2010-10-04T00:00:00.004+02:00

"Salvation In Lights" es el documento sonoro que salda la deuda que el Rock tiene con el Soul. El evangelio de Mike Farris, un hombre que renueva su fervor espiritual y expía en -cierta manera- los pecados cometidos en la vida terrenal. Una colección de canciones enraizadas en el soul, el blues, la música gospel y los aires de New Orleans, donde Mr. Farris transmite su propio mensaje de redención.

Esta absorbente grabación abarca desde renovados espirituales a temas escritos por el propio Mike sin desequilibrar en ningún momento la balanza. Hablamos de un disco superior a todos los niveles, perfecto en todos los sentidos. El tipo que antes de encontrar la luz lideró una formación del calibre de Screamin´ Cheetah Wheelies, rubrica en este segundo disco en solitario el alma de SoulMan de la que hizo gala en los trabajos que grabó con su antigua banda.

Respaldado por músicos de la escena de Nashville, figuras como Dave “Roe” Rorick -bajista de Johnny Cash y las estratosféricas cantantes Gale y Ann West a quienes tomarían el relevo las aún mejores McCrary Sisters-, estas once canciones suenan robustas y celestiales. La luminosa esperanza que desprenden se mezcla con la visceralidad con las que han sido interpretadas.

Destacar un tema por encima de otro es imposible, hay que escucharlo de principio a fín para poder creer que la voz de Dios habita en la tierra. Mientras Farris se siente feliz por haber encontrado la luz, nosotros debemos sentir lo mismo por tener la oportunidad de escuchar esta obra de carácter superior donde se puede sentir el espíritu de su fe imbuido en el sonido de sus canciones. Si la iglesia fuera más inteligente y menos *"$%&"·$%&/, deberían ficharlo como imagen de una campaña publicitaria. Aunque pensándolo bien, mejor que las cosas se queden como están. Felicidades a todos los asistentes a su inminente gira.

At Newport 1960

2010-10-03T07:00:00.005+02:00

Suena a gloria bendita este referencial disco en directo grabado en el mítico festival de Newport para el no menos mítico sello Chess donde McKinley Morganfield se anunciaba en los carteles como "Muddy Waters And His Orchestra". Respaldado por una banda de infarto con James Cotton, Pat Hare y un Otis Spann de órdago, el bueno de Muddy tira de composiciones de Willie Dixon y su mentor Big Bill Broonzy - y por supuesto del "I´ve Got My Mojo Working" - que el padre del Blues de Chicago convirtió en inmortales.
A pesar de ofrecer - en general- una cara bastante reposada, del disco se desprenden nueve memorables interpretaciones que sirvieron de referencia para que unos cuantos blanquitos del otro lado del atlántico asaltaran las listas bajo el influjo del poder de los grandes del Blues. Del repertorio presentado, "Baby Please Don´t Go" supera todos los adjetivos posibles junto a una monstruosidad prácticamente improvisada que cierra la actuación llamada "Goodbye Newport Blues". Para quien escribe esto, no ha habido Bluesman más elegante que el gran Muddy Waters -con permiso siempre de Albert King- y cuesta un huevo contar lo que contiene este mágico "At Newport 1960". Basta con darle al play y saber lo que es la auténtica y verdadera magia.

Short Man´s Room

2010-10-01T00:00:00.004+02:00

La primera vez que vi el nombre de Joe Henry estaba impreso en el libreto de un maravilloso disco titulado "Hollywood Town Hall". Ocurrió unos cuantos años antes de que su música y la de sus protegidos entraran por la puerta grande de mi vida. Mr. Henry es uno de los músicos que más satisfacciones me ha proporcionado en los últimos años y era inevitable que antes o después investigara en una carrera que sólo parece existir desde que "Scar" viera la luz en 2001. El problema es que la mayoría de trabajos anteriores a la transición musical de "Trampoline" y "Fuse" están prácticamente fuera de circulación y no son fáciles de conseguir.

En un intento por encontrar su propio sonido, Joe Henry publicó en 1992 esta pequeña gran maravilla titulada "Short Man´s Room". Un conjunto de canciones de poso Country-Rock bañadas en violines, banjos y mandolinas con un enfoque más rústico pero menos abstracto que sus composiciones actuales. La banda que le acompaña en el disco lleva por nombre The Jayhawks, cuya impronta es de tal calado que por momentos te hace dudar si realmente no estarás ante un disco de los artífices de "Tomorrow The Green Grass".

Juntos dan rienda suelta a un repertorio que huye por completo de la actual superficialidad que tristemente nos asola a través de un viaje emocional que navega por la tradición. Las composiciones de Henry rezuman honestidad y pasión y en buena parte de ellas se avanza un puntito de introspección de sus obras más actuales pero en un contexto estructural más clásico. Canciones inspiradas en las relaciones personales, en la vida y la muerte y por si fuera poco, volcadas totalmente en directo a un ocho pistas.

Pero el momento dulce que atraviesa la carrera de Joe Henry ha enviado a "Short Man´s Room"- y a casi toda la primera etapa de su carrera- a dormir, injustamente, el sueño de los justos. Como si fuera un simple boceto de los retratos más sofisticados que pinta en la actualidad. Y realmente aquí hay material de sobra merecedor de trascender en el tiempo. Como es el caso de la maravillosa "King's Highway" que fue revisitada por Gov´t Mule en el EP "Mo' Voodoo".

La cuñadísima de Henry, que ya sabemos que tiene tendencia por acaparar la atención a cualquier precio, aporta su granito de arena permitiendo que un cuadro de su propiedad sirva de portada del disco. Un dato realmente insignificante para un fenomenal trabajo que no debe caer en el olvido, puente entre dos obras como "Shuffletown" y "Kindness of the World" que contienen algunas de las mejores composiciones que este singular músico haya registrado nunca. Pero esa historia será contada otro dia. Por hoy, con la grandeza de "Short Man´s Room" ya es más que suficiente.

Dirty Diana

2010-08-29T00:00:00.005+02:00

Tiempo antes de basar sus espectáculos en frias actuaciones donde los efectos especiales y el playback campaban a sus anchas, el bueno de Jacko era capaz de dar el callo en directo como se puede apreciar en esta filmación. Estamos hablando del Tour de Bad, y aunque se le olvide la letra de la canción, el tipo sabía lo que se traía entre manos. Y al loro porque Steve Stevens remata la faena. Un servidor nunca ha sido purista -cosa que me saca de quicio cada vez que me lo dicen, ni pone grandes nombres para quedar bien - así que una vez más, vuelvo a decir que Michael Jackson también ocupa un lugar destacado en mi vida. Hoy hubiese cumplido 52 años, ocasión perfecta para celebrarlo escuchando otra vez más "Dirty Diana".

Mi Disco Del Verano

2010-08-20T00:00:00.009+02:00

Cada verano, además de las novedades y los clásicos que nunca te abandonan, inconscientemente suelo rescatar un disco que siempre se me pega a los oidos y termina por convertirse en la estrella del periodo estival por excelencia. Este año, la palma se la lleva la tercera parte de "The Little Big Band" (2006), el proyecto de Colin James cuyo único fín es homenajear a los pioneros que han influenciado su carrera. Un desparrame de buen gusto y actitud que desprende buen rollo por los cuatro costados. La diferencia con los dos primeros volúmenes, ahora que las discográficas están en quiebra, es que el bueno de Colin necesitó de la ayuda del Ministerio de Cultura Canadiense para poder financiar el proyecto, algo que también pasó con The Sadies y su "New Seasons".

En este tercer volumen, la música está más orientada al Soul y al R&B mostrando en todo su esplendor las habilidades vocales de Colin James, cuya guitarra aparece con menos frecuencia de lo habitual, pero cuando lo hace sigue sonando a gloria bendita. Un tio con dos pelotas capaz de realizar un viaje en el tiempo desafiando el nivel de unas canciones que son para caerse de culo: versiones de músicos y compositores como Wilson Pickett/Solomon Burke, Doc Pomus/Ray Charles, Van Morrison, Johnny Otis, Junior Parker, Lloyd Price, Jon Hendricks, Sam Cooke, Jackie Wilson ó Rudy Toombs forman el eje central de un disco que no puedes parar de hacer sonar. Las dos composiciones que aporta Colin James son deliciosas y la banda que saca brillo a esta pequeña maravilla cuenta en sus filas con fenómenos como Bob Ruggiero, Greg Piccolo, Chuck Leavell, Reese Wynans y dos cameos de altura: Keb´Mo´y el mismísimo Wayne Jackson de los insuperables Memphis Horns , banda residente de Stax, ante cuyos encantos han caido rendidos desde Neil Young hasta Elvis.

De los tres volúmenes que existen (olvidando el cuarto navideño), podría ser el mejor de todos (a ratos a mi me lo parece) si no fuera por esa pedazo de bomba que publicó en 1998 donde todo encajaba a la perfección y que a dia de hoy sigue siendo, para mi gusto, uno de los discos mejor grabados y producidos de estos tiempos modernos. Por supuesto que el primero sigue siendo fantástico, pero posiblemente el paso del tiempo lo haya tratado con mayor dureza. Sea como fuere, lo que hoy nos ocupa es el disco que ilustra esta entrada. Un trabajo con menos Blues pero con mucho Swing (y no en el sentido estricto de la palabra) que tras unas pocas escuchas se resiste a dejar de girar una y otra vez y cuyo única misión consiste en entretener mientras no puedes dejar de mover los pies, lo cual ya es bastante.
Un servidor se marcha a zorrear por estos mundos de Dios durante unos cuantos dias, no sin antes dejarles este pequeño regalo. Espero y deseo que les guste la desenfrenada alegría que desprende esta grabación pero sobre todo que sean muy felices. Hasta pronto.

To Be Loved

2010-08-18T12:00:00.013+02:00

La música tiene una cualidad intrínseca que otras artes no poseen, aparte de ser la más mágica de todas por ser intangible. Se trata más bien de una característica natural que hace posible contemplar la obra de un artista en una doble vertiente: sus discos y sus conciertos en directo. Tan acusada es esta doble faceta que se puede decir que es sumamente improbable que un músico triunfe de verdad si no es capaz de demostrar su valía en los dos terrenos. Si uno quiere ser una verdadera estrella deberá convencer al público por partida doble. No fue este el caso de Donny Hathaway, triunfador donde los haya en ambos terrenos pero que inexplicablemente nunca llegó al gran público y que es uno de los Unsung Heroes por excelencia de la historia de la música cuya discografía completé hace muchos años y nunca me cansaré de escuchar y al que hay que amar por encima de todas las cosas.

Aquí dejo un pequeño regalo en directo sacado de la década de los 70 y publicado en 2004 hecho a base de corta y pega al que se añadieron algunas joyitas inéditas y que es sublime a pesar de tratarse de un refrito. Donny Hathaway murió trágicamente hace muchos años pero nunca hay que dejar de honrar su memoria porque su breve discografía es imprescindible. Por motivos que no llego a entender muy bien, siendo uno de mis diez músicos favoritos de todos los tiempos, nunca he hablado de él. Como tampoco lo he hecho de Ray Charles, Roy Brown, Sam Cooke, Jackie Wilson y tantos otros. Este último ya tuvo una breve entrada hace mucho tiempo con "To Be Loved", una canción con poderes curativos que realmente es lo que un servidor necesita en estos momentos, como bien explico en la entrada de más abajo. Hoy la vuelvo a poner pero en esta ocasión es el Jackie Wilson de la serie "Shake, Rattle & Roll" quien explica de qué coño tiene que ir realmente esto de la música-y también la vida-. Que disfruten de los presentes. Espero que sean de su agrado.

Upfront & Down Low Again!

2010-07-23T08:00:00.006+02:00

Ayer por la mañana, observando con detenimiento el escaparate de una de las pocas tiendas de discos que todavía no ha colgado el cartel de cerrado, aluciné cuando vi este disco por menos de 5 euros. Me dió tal subidón que a punto estuve de entrar y volverlo a comprar porque en los surcos de este disco hay magia por un tubo. Hace más de dos años ya le dediqué una entrada y hoy no puedo resistirme a volver a hacerlo.

Dicen que de casta le viene al galgo, pero yo creo que en este caso hay que obviar el arbol genealógico de este muchacho porque este tio no es Sean Lennon ni nada que se le parezca, afortunadamente, y la coletilla "hijo de" ensombrece en algunos casos carreras asombrosas. Que no es que yo tenga un interés especial por la de este chaval, pero es que "Upfront & Down Low" es un disco de versiones de la época dorada del Country con un repertorio de ensueño, una banda de las que quitan el hipo y una interpretación absolutamente magistral - y al mismo tiempo personal-, que transmite a la perfección el peso emocional de estas canciones . No queda la cosa ahí, porque el único tema original - "Down Low"- escrito por el propio Teddy Thompson, es una de las cosas más grandes que un servidor ha oido en los últimos años.

No me quiero extender porque ya conté en su dia como es "Upfront & Down Low". Pero si alguien ve este disco al ridículo precio de 4,95 que no dude en hacerse con él porque serán los 4,95 euros mejor invertidos de toda su vida. Y sí, será verano y todo eso, pero nunca está de más recomendar un maravilloso puñado de canciones para escuchar muy a solas y muy a oscuras en un no menos oscuro y frio dia lluvioso.

Un Country Crooner en el Show de David Letterman.

El video más decente que hay en la red de "Down Low"

Voodoo Train

2010-07-22T08:00:00.000+02:00

The Bellrays y Voodoo Train, pequeña gran banda a reivindicar hasta el fin de los tiempos.

Doublewide & Live

2010-07-17T12:00:00.005+02:00

Cuando llega el verano, tengo la manía de rescatar del baúl de los recuerdos unos cuantos discos en directo sin más pretensión que la de encontrar en ellos diversión. Y si hay una banda divertida, esa es Southern Culture On The Skids quienes en 2006 publicaron este directo real al cien por cien. Una curiosa mezcla de frenesí con pollo frito enmarcada en la cultura White Trash.

Sus temas de rock paleto con tintes de rockabilly y surf y por supuesto mucho humor, raramente sobrepasan los tres minutos. Suficientes para desarrollar el repertorio empapado en sudor de estos tres fenómenos. Sé que hay mucha gente que no siente absolutamente nada por SCOTS pero a mi esta banda me pone las pilas a base de bien y algunos de sus trabajos de estudio son para tenerlos muy en cuenta. El sonido de este encantador artefacto es cualquier cosa menos perfecto pero para eso es un disco en directo en el que lo único retocado es la peluca de Mary Huff.

Un repertorio contagioso, una presentación muy original con desplegable en relieve de la silueta de los tres protagonistas y un segundo disco con más temas e incluso videos de la citada actuación hacen de este "Doublewide And Live" un trabajo del que no merece la pena seguir contando nada más. Sólo que con darle al play, uno se lo pasa realmente bomba con la banda del gran Rick Miller.

A falta de un video decente que echarse a la vista, esto es lo que hay.

Hawk

2010-07-15T00:00:00.006+02:00

A tenor de lo visto y oido, este 2010 va a traer al mundo un nuevo disco de Isobel Campbell y Mark Lanegan. Sorpresa mayúscula, sobre todo después de leer alguna entrevista tras la publicación de "Sunday At Devil Dirt" en la que la ex-Belle & Sebastian confesaba haber sufrido un verdadero calvario para poder publicarlo. A los interminables proyectos del señor Lanegan que retrasaron su salida más de un año, hubo que sumar los costosos gastos de producción que casi terminan con la Campbell declarándose en bancarrota.

Personalmente preferiría que el bueno de Mark acabase con esta aventura-y ya de paso con todas las demás- y se concentrara en su propia carrera de una vez por todas. Y eso que "Ballad Of The Broken Seas" fue un disco que tenía momentos interesantes: el contraste entre dos personalidades muy definidas, la bella y la bestia, embarcadas en una gótica revisitación de amor platónico al estilo spaghetti-western orquestal de Nancy Sinatra-Lee Hazlewood. Pero desaparecido el factor sorpresa, y salvo momentos muy puntuales -"Seafaring Song", "Who Built The Road" o "Come On Over"- , su reválida -"Sunday At Devil Dirt"- era un disco que terminaba, curiosamente, haciendo aguas donde había esfuerzo por no empalagar y cambiar de registro.

"Hawk" mantiene el tono sombrío y taciturno de agridulces tonadas , cuya mayor sorpresa quizás sea el acelerado tema instrumental que da título al disco -con saxo desbocado incluido- por obra y gracia de un James Iha que retorna al mundo de los vivos. La fotocopiada fórmula con orquestación de "Come Undone" contrasta junto a números más enérgicos -"Get Behind Me"- y dos versiones de Townes Van Zandt que no aportan nada por haber sido mil veces revisadas - y menos aún después de escucharlas en la voz del maestro-. La Campbell continúa descolgándose con dulces cancioncillas y el protagonismo de Willy Mason en "Cool Water" aporta un poco de frescura al conjunto. Pero no hay que olvidar que Lanegan es el macho Alfa de este proyecto y por eso cierra el disco con una interesante "Lately" de coro gospel y tono descarnado.

Posiblemente "Hawk" esté un poco más inspirado que su predecesor - tampoco mucho más-. Sigue faltando el punto de equilibrio que redondee un trabajo cuyas expectativas son, para un servidor, una verdadera incógnita. Él pone la voz, ella todo lo demás. Por eso da lugar a la gran pregunta, Querido Mark: ¿Por qué no dejas de chulear a la pobre Isobel, pegas carpetazo a este proyecto y te dedicas de lleno a tu carrera en solitario que la tienes un poquito abandonada?. Hazte el favor, hijo.

Soul Samba

2010-07-13T00:00:00.002+02:00

En 1961, con la grabación del inmenso "Jazz Samba", Stan Getz y Charlie Byrd hicieron que todo el mundo deseara tener su propio disco con ecos de Brasil. Los primeros en lanzarse al ruedo fueron, entre otros, Coleman Hawkins y Sun Ra. La escena del jazz se rendía por completo ante los nuevos ritmos procedentes del sur del continente. A rebufo de la nueva moda, Ike Quebec, registró en una única sesión en octubre de 1962 -bendita época-, el disco que se convertiría en su testamento sonoro. Menos de cuatro meses después fallecería de cáncer de pulmón.

Cuando Quebec entró en el estudio junto a Kenny Burrell, Wendell Marshall,Willie Bobo y Garvin Masseaux, el género ya estaba en peligro de convertirse en un cliché. Las composiciones de Jobim habían asaltado las listas y la interminable lista de grabaciones repitiendo esquemas una y otra vez se sucedían por doquier. Pero Quebec, con la ayuda de Alfred Lion y un Kenny Burrell en estado de gracia, consiguió dar forma a un disco que, milagrosamente, no contiene ninguna composición del maestro Jobim.

Estilísticamente en las antípodas del inmenso "Blue & Sentimental", el también inmenso "Bossa Nova Soul Samba" es otra elegía a la belleza que Ike Quebec fue capaz de crear consciente de que el final estaba cerca, soplando como los ángeles cuando literalmente estaba muriéndose. La atmósfera que desprende el disco te sumerge en un plácido estado mental imposible de abandonar hasta que suena la última de las notas. Toda la grabación gira en torno al humeante romanticismo que desprende el saxo de Quebec y la guitarra de Kenny Burrell, que aporta un enfoque que escora hacia el Blues, insuflando nueva vida a un género que en un corto periodo de tiempo fue revisitado hasta la saciedad.

Y sí, este disco hecho con alma también provoca saudade pero en dosis muy ajustadas. Especialmente si se hace sonar en el atardecer de una playa acunado por el suave balanceo de las olas. Así es la belleza de "Bossa Nova Soul Samba", el canto del cisne de Ike Quebec.

Summertime

2010-07-08T00:00:00.002+02:00

Si por mi fuera, me saltaría las tres estaciones del año que no sirven para nada y viviría en un perpetuo y maravilloso verano. Esta mágica temporada en la que sólo apetece pasar el dia y la noche zorreando por ahí, exprimiendo al máximo las horas de sol y playa, las comidas con los seres queridos y que sólo exista jodienda y diversión. Como eso es imposible, hay que vivir a tope cada dia del verano porque siempre es demasiado breve y después llega la más absoluta de las tristezas. Como cada año por estas fechas, la vagancia se apodera de mi ser y no me quedan fuerzas más que para pensar en el esplendor veraniego hasta que la oscuridad haga acto de presencia. ¿Puede haber algo más maravilloso que el verano?.

Something Good Coming

2010-06-24T07:00:00.000+02:00

Happy Birthday To Me

2010-06-03T07:00:00.000+02:00

Hoy este blog cumple dos años de vida, y aunque esta entrada se emita en diferido porque todavía estoy tumbado al sol, aprovecho para felicitarme a mi mismo por este aniversario en la mejor de las compañías que es la vuestra. ¡Hay que ver el morro que tengo!.

Bags & Trane

2010-06-02T07:00:00.007+02:00

En el mágico año de 1959 vió la luz este fantástico disco que Milt Jackson y John Coltrane grabaron para el sello Atlantic y que se acaba de reeditar por medio de Absolute Distribution, una compañía que ha conseguido los derechos de unos cuantos memorables discos de jazz. La chapuza es aún peor que la reedición del primer disco de Elvis para RCA, donde no sólo se añadieron unos cuantos temas extras -que es lo de menos- sino que tuvieron las santas narices de modificar el orden original de los mismos. Y hacer eso en un álbum clásico no tiene perdón de Dios. Pero la nueva versión de "Bags & Trane" es lo peor que he visto en años.

Para empezar, en la portada se ha invertido el orden de los protagonistas para que Coltrane figure en primer lugar -que ya sabemos que siempre llamará más la atención que Milt Jackson-. Pero es que a los temas que se añadieron cuando Atlantic reeditó el disco en 2004 , modificando también el orden original - incluido un "Centerpiece" que años más tarde Joni Mitchell llevaría a su terreno- se han sumado otros dos sacados de una sesión realizada sólo por el saxofonista en formato trio en 1957 y que no pegan ni con cola.Un auténtico insulto para esta joya que grabaron Jackson y Coltrane, quienes se conocieron trabajando a las órdenes del combo de Dizzy Gillespie a principios de los años 50. Registrado pocos meses antes de que una obra del calibre de "Giant Steps" viese la luz y el jazz como concepto se disparase en múltiples direcciones, el frenético vibráfono de Jackson junto al imponente saxo tenor de Coltrane brillan con intensidad respaldados por una sección rítmica de infarto y el maravilloso piano del recientemente desaparecido Hank Jones a quien debo un tributo como su figura merece.

Con el Blues como punto de partida, el jazz brilla en todo su esplendor, especialmente en los elegantes y refinados temas que llevan la firma de Milt Jackson. Sin encorsetarse en las estructuras, los desarrollos improvisados son el punto fuerte del disco, especialmente las partes en las que el imponente saxo de Coltrane deja su impronta, como es el caso de "The Late Late Blues" y "Be-Bop", el tema de Gillespie. Sutileza versus contundencia en un delicioso álbum de Hard-Bop que suele crear división de opiniones entre quienes lo catalogan como obra maestra y los que afirman que no pasa de ser simplemente disfrutable. Sea como fuere, este disco vió la luz con el mágico logo de Atlantic impreso en él.Y con eso está todo dicho. A olvidar cualquier otra edición.

Thelonious

2010-06-01T07:00:00.005+02:00

Patchwork River

2010-05-31T07:00:00.000+02:00

La reputación de Jim Lauderdale como compositor y cantante siempre ha cotizado al alza en los circuitos de Nashville. Todavía más en estos últimos años cuando ya ha firmado un segundo trabajo junto al mismísimo Robert Hunter. En el recientísimo "Patchwork River"-el sexto en cuatro años- la sensibilidad poética de Hunter encaja como un guante en las melodías de Lauderdale, saliéndose de patrones anteriormente establecidos.

Ambos consiguen facturar un delicioso disco que transita por distintos paisajes musicales nunca antes creados por esta extraña pero siempre efectiva pareja como la rockera "Winnona" o números muy cercanos al Memphis Soul como "Good Together" y "Louisville Roll". Las letras de Hunter crean un mosaico que une piezas habituales en la vida de cualquiera, con experiencias y decepciones vividas e historias transmitidas de generación en generación. Siempre se ha dicho que a este tipo se la va la pinza escribiendo sobre personajes al límite -cosa que un servidor no comparte- pero si así fuera, suenan de cine sus historias trasladadas al contexto de la música de Lauderdale. Para colmo, algunos de los músicos que participan se llaman Patty Griffin, Al Perkins, Garry Tallent, el mismísimo James Burton y el Super Guitar Hero Kenny Vaughan a quien le debo un post desde hace una eternidad. "Patchwork River" no es una obra maestra ni muchísimo menos, pero desde luego que es una pequeña gran maravilla dentro de la anquilosada escena de Nashville.

Consummation

2010-05-27T00:04:00.000+02:00

Phil Spector Jukebox

2010-05-27T00:02:00.000+02:00

Pictures From Life's Other Side

2010-05-27T00:00:00.004+02:00

Desde hace muchos años, me ronda por la cabeza hacerme con la monumental Box Set de diez discos titulada " The Complete Hank Williams". Pero por un motivo u otro, la dichosa caja no termina de llegar a mis manos en perfectas condiciones y siempre se me queda cara de tonto cuando compruebo que hay dos discos repetidos o alguno está defectuoso. Para un servidor, la figura de Hank Williams representa una de las cosas más puras y auténticas de la historia de la humanidad. El llegó mucho antes que otros a quienes no hay que reprochar absolutamente nada. Pero él llego antes. Y eso ya es decir mucho. De todas las grabaciones que existen de Hank Williams, siento un apego especial por las que registró bajo el nombre de su alter-ego "Luke The Drifter", recopiladas en este "Beyond The Sunset" que ya apareció por aquí hace mucho tiempo pero que nunca me canso de recomendar. En él, se ofrece la parte más reflexiva de la leyenda de Hank Williams y sirve para demostrar que, si bien el señor Williams vivió a su manera y no fue educado bajo patrones "convencionales", el conocimiento de las reglas por las que se rigen los hombres no le eran en absoluto ajenas.

Muchas de las canciones contenidas en él tienen un alto contenido moral y religioso y para nada sería descabellado afirmar que reflexiona sobre un código de conducta que el propio Hank podría haber intentado ó deseado desarrollar. El resto del material se compone simplemente de canciones sobre la vida y el amor. "Beyond The Sunset", el tema que da título a esta singular obra fue grabado el 10 de enero de 1950 y es una combinación de un viejo himno y un poema del siglo XIX. Las pocas que no llevan su firma, se hicieron suyas desde el momento en que puso los ojos en ellas.

Las que salen de su propia pluma tienen la habilidad de ofrecer una capacidad única para retratar la imagen de un hombre normal, con sus miedos y temores. Y lo mejor de todo es que no hay nada de fantasía en ellas, lo que indudablemente ha hecho de Hank Williams una leyenda. Quizás pensaba que podría encontrar alguna clase de redención o salvación del sufrimiento que cargó en vida. "Luke The Drifter" es la muestra más evidente de la compleja personalidad de Williams: un bala perdida pero con cierta tendencia a querer reformarse. Y por si fuera poco, dibuja la imagen del trovador errante por los caminos que han vuelto a transitar los más grandes."Beyond The Sunset" representa el anhelo de ser alguien distinto y retrata como pocas veces se ha visto el sentimiento de culpa por llevar un estilo de vida poco recomendable. Pero ya se sabe que la cabra siempre tira al monte, y el genuino Hank era el más cabra de todos si duda alguna.
Y con un joven que murió siendo viejo, cerramos el chiringuito por unos dias. Me las piro a tostarme el culo a una isla, que es para lo único que algunos hemos venido a este mundo. Que seais muy pero que muy felices. Hasta pronto.

Locos Con El Exile...

2010-05-26T00:00:00.005+02:00

Debo ser más pringao de lo que pensaba pero "Exile On Main St" ha vuelto a la vida y yo estoy más contento que unas castañuelas. Menos mal que me paso la vida despotricando con estos "renaceres" cuyo único objeto es sacarnos otra vez los cuartos. Este disco es más grande que la vida, y aunque a mi no me gusten los liftings - y menos en discos sagrados-, no seré yo quien le ponga pegas a eso de meterle el bisturí a esta nueva versión extendida. "Sticky Fingers" siempre será la niña bonita pero "Exile..." es EL DISCO para un servidor y la remasterización es de órdago - nada que ver con las últimas chapuzas de sellos como Verve o Blue Note que son para matarlos-. Curioso cuando contiene el repertorio menos popular -comparados con sus otros clásicos- de la banda. Ni nostalgia ni leches. El libertinaje comandado por la cabra loca de Richards convirtió en pleno 1972 a "Exile On Main St" en lo más grande que ha parido madre. Y con liftings o sin ellos, este sigue siendo EL DISCO 38 años después. A estas alturas, otra vez locos con el "Exile..."

The Night Is For Dreamers

2010-05-20T04:04:00.006+02:00

Si en algún momento, alguien ha tenido la sensación de que estoy un poco mal de la cabeza, tengo que decir que está muy equivocado. En realidad no es que se me vaya la pinza de vez en cuando, directamente estoy como una puta cabra. No es dificil contar los motivos que me llevan a cerrar continuamente el blog, no sólo no me gustan mis textos sino que el tiempo es cada vez más limitado y alimentar este monstruo que he creado y que ahora no sé como matar requiere una pequeña (o grande) dedicación que no puede centrarse en colgar tonterías sólo por el simple hecho de mantenerlo vivo. Consciente de mis limitaciones, lo que mi me gusta es escribir cosas con "chicha". O al menos intentarlo. Entre los quehaceres habituales, la tortura (y nunca mejor dicho) china que es entregarse en cuerpo y alma al jodido Mandarín y los preparativos de un montón de cosas que tienen que suceder antes de que el año termine, estoy un pelín desbordado. Pero el componente que establece lazos de afecto con la cuchipanda que se ha formado en los ya casi dos años que llevo en esta historia puede con todo lo demás. No sé si tendré el síndrome de abstinencia o el de Estocolmo pero confirmo que sigo teniendo mono de Blog (no sólo de nicotina vive el hombre) y de continuar interactuando con todos vosotros, cuyos mensajes han hecho mella en mi (nada) duro corazón. En estos momentos estoy muy lejos y tengo que solucionar unos cuantos "problemillas" con los desalmados que llaman a tu puerta todos los años por estas fechas y que me han tomado por una Pantoja cualquiera gracias a la incompetencia del funcionario de turno que quiere recaudar un dinero de no sé qué paraíso fiscal. Y yo soy más inocente que las manos de los niños de San Ildefonso. Por eso, aunque sea una hora indecente, cuando el único ruido que existe es el sonido de tus propios pensamientos y la luna brilla de manera especial, nunca olvidéis que la noche es para los soñadores. Mis mejores deseos para todos vosotros y que siga la locura. Gracias por todo y hasta muy pronto.

Since I've Been Loving You

2010-05-17T09:00:00.000+02:00

Hoy es un dia como otro cualquiera para empezar una nueva vida. Aquí quedan más de 500 entradas y muchas otras que estaban por venir pero que ya no llegarán. En todas ellas hay pedazos de mi que conforman eso que algunos llaman tener una "personalidad poliédrica". El Jazz, el auténtico Blues y sobre todo el Rock que corre por mis venas no han quedado reflejados con la frecuencia que a mi me hubiese gustado. Pero como ya he contado en muchas ocasiones, ahí fuera hay gente que sabe realmente de lo que habla y es mejor dejar las cosas importantes a profesionales de la materia. No me marcho del todo porque pienso seguir dando la vara por los blogs que frecuento asiduamente cuando mi tiempo me lo permite. "Since I've Been Loving You", una de mis canciones favoritas que podría describir a la perfección mi relación con este bendito Blog, sirve para poner punto y final a esta aventura que jamás pensé que llegaría tan lejos. Quizás demasiado para un pobre juntaletras como yo. Gracias a todos y sed muy felices.

The White Album

2010-05-13T00:01:00.008+02:00

Intentar desmontar la grandeza de un disco como "I´ll Take Care Of You" a estas alturas es imposible. Es como decir que has descubierto el sabor de la Nocilla o esa ambrosía de los dioses llamada Pantera Rosa. No hay nada que destapar, tan sólo recordar su grandeza.
Con su voz aguardentosa, castigada por el tabaco y todos los vicios habidos y por haber, Mark Lanegan consigue reescribir una colección de canciones ajenas como pocas veces se haya visto. Todos los condicionantes de lo que se supone que debe ser un álbum de covers se concentran aquí. El principal problema de esta clase de discos es que muchas veces los temas son simples calcos de los originales. Es una soberana estupidez grabar una canción copiada nota por nota donde el riesgo y la emoción brillan por su ausencia. Y tal y como está el patio a estas alturas, las discográficas invitan cada vez más a sus artistas a registrar versiones para recuperarse de su último fiasco, con el nefasto resultado de incluir temas copiados, que suenan vacios y sin alma.

Pero el nombre de Lanegan garantiza música real y sincera, sin ninguna pretensión de vender millones de discos refrescando los mismos hits de siempre. En su cuarto álbum en solitario, publicado en el ya lejano 1999, el bueno de Lanegan cava más profundo en la oscuridad del alma que en ninguno de sus anteriores trabajos. Por eso es uno de sus mejores trabajos. Haciendo equipo con el añorado Mike Johnson, los arreglos son recreados de forma cruda y simple, abriendo espacios para que la voz de Lanegan, empapada en whisky y nicotina, deje su huella en este viaje sobre amores perdidos y vidas rotas, recreando temas de O.V. Wright, Brook Benton, Timothy James Hardin, Fred Neil, Eddie Floyd, Tim Rose, Buck Owens y Jeffrey Lee Pierce, entre otros.

La voz de este portento se mueve por un desolador paisaje de personajes atormentados cuyos relatos de nostalgia, soledad y redención adquieren una dimensión que era inimaginable escuchando los temas originales. Haciendo suyas todas las canciones, Lanegan consigue dejarte noqueado con esta suerte de Folk-Country-Blues con poso Gospel, transmitiendo más experiencia, sabiduría, belleza y carácter en media hora que muchos otros en toda una larga carrera. Una inspiradora y estimulante obra maestra a la que inevitablemente siempre hay que volver. Y sí, este disco ya apareció en su dia en este humilde lugar. Pero nunca hay que dar excusas por recordar lo que tus oidos no deben dejar pasar. Y menos ahora que este señor está a punto de aterrizar en este país trayendo su excepcional cancionero al que siempre hay que añadir esta masterpiece titulada "I´ll Take Care Of You". Felicidades a todos los afortunados.